Довольно часто на студиях звукозаписи к каждому треку добавляется фильтр высоких частот (он же низкочастотный фильтр), что позволяет добиваться более четкого и яркого звучания, делая исключение только для бас-барабана и иногда бас-гитары.
Обычно этот фильтр начинается примерно с 30/40 Гц и имеет наклон около 12 дБ/октаву, охватывая полосу «чрезвычайно низких частот». С некоторыми типами инструментов вы можете резать даже с 60/70 Гц, но в целом это выглядит так, как показано на рисунке ниже.
Надеюсь это не вызывает споров.
Тем не менее, недавно я видел несколько онлайн-дискуссий с людьми, заявляющими, что им не нравится это делать, и что они намеренно записывают и оставляют очень низкие частоты на всех треках (или что-то в этом роде). За этим быстро последовали ободряющие комментарии со стороны других, заявляющих, что «это хорошо» и «в музыке нет правил» и так далее.
Как бы ни ценилось мнение дилетантов, реальность такова, что нет: это нехорошо. Совсем не хорошо.
Не сокращать низкие частоты в большинстве дорожек — очень плохая идея, и если вы хотите знать, почему, вам просто нужно читать дальше. Теперь дисклеймер: я знаю, что большинство этих идей исходят из искреннего интереса к попыткам создать что-то новое и оригинальное и/или улучшить свою музыку. Намерение хорошее.
В нашем стремлении к оригинальности вполне естественно видеть, как все что-то делают, и думать: «А что, если я сделаю что-то другое?». Говорят, что правила созданы для того, чтобы их нарушать, и в музыке больше, чем в других областях, не так ли? Правила и есть правила.
Некоторые «правила» являются условностями, соглашениями, традициями и могут быть проигнорированы и нарушены во имя оригинальности и новаторства. Нужно ли ставить припев после куплета? Нет. Нужен ли мне припев? Нет. Нужно ли использовать одни и те же звуки на протяжении всей песни? Конечно, нет! Эти «правила», безусловно, могут быть нарушены, и на самом деле они, как правило, определяют определенный музыкальный период. Каждое новое поколение создателей музыки почти всегда стремится сломать их во имя инноваций. Другие правила — это просто вещи, которые работают, потому что они с большей вероятностью понравятся обычной аудитории, независимо от времени, или просто полезны для общества. Петь в такт и играть в такт редко выходит из моды (несмотря на The Shaggs); Игра случайных нот редко приносит успех (это, конечно, было опробовано, но рынок додекафонной музыки никогда не был таким огромным, и даже у них есть правила, это не просто случайные ноты). Уважительное отношение к светофорам позволяет выжить большему количеству людей, чем в противном случае. Эти «правила» можно нарушить, но результат обычно не такой заметный. Наконец, другие правила очень похожи на физику – мы называем что-то «законом», но не можем решить его нарушить. Возьмем, к примеру, гравитацию. Применение принципа «нет никаких правил» немного похоже на решение прыгнуть со скалы, размахивая руками и ожидая, что вы взлетите: это неизбежно заканчивается беспорядком, и часто это приводит к смерти. Идея «низкочастотного кроя» прочно относится к этой последней категории. Это не условность и не художественное решение – оно порождено физикой.
Основная причина очень проста: у большинства инструментов в нижнем диапазоне просто нет никакого музыкального содержания (во всяком случае человек его не слышит). Например, гитара или вокальная партия (оба «инструменты» среднего диапазона) в хороший день не будут звучать ниже, скажем, 50-70 Гц. В диапазоне 0–40 Гц нет ничего значимого.
Хуже того, все, что там происходит, совершенно случайно и часто зависит просто от того, где и когда вы записали свой дубль. Почему? Потому что звуки от 0 до 30-40 Гц – это в действительности вибрация.
Хотя мы можем это воспринимать, в большинстве случаев мы этого не слышим: это больше ощущается в груди как толчок (это воздух, который движется басовым усилителем мощностью 600 Вт на полную, и это много воздуха).
И что это такое, что вибрирует так низко?
Обычно это не имеет ничего общего с тем, что вы записываете: грохот грузовика, проезжающего по дороге неподалеку, метро, кто-то идет по улице, завод в паре миль отсюда и так далее. Как мы знаем, низкочастотные звуковые волны очень длинные и всенаправленные. Такие длинные волны могут распространяться издалека (мы говорим о милях/километрах). Более того, они могут (и будут) без особых проблем проникнуть в вашу комнату записи/микширования, если только у вас нет специально построенной комнаты в комнате, которая полностью отделена от внешней оболочки, а это сложно и очень дорого сделать. Таким образом, если вы не обрежете очень низкие частоты во время записи или микширования, вы просто добавите к своим трекам случайный грохот — из-за какого-то грузовика, который случайно проезжал мимо вашего дома.
Хуже того, этот шум будет довольно громким по сравнению с музыкальным сигналом (поскольку в этом диапазоне частот вообще нет музыкального сигнала).
Исключение составляют немногие инструменты, которые действительно имеют значимое музыкальное содержание в этой очень низкой полосе: бочка, бас-гитара и тому подобное.
Для них соотношение сигнал/шум между, скажем, реальным ударом кика и случайным топотом пешехода за пределами студии будет высоким.
Это означает, что внешний грохот, как правило, не будет иметь значения, почти так же, как фоновый шум не имеет значения в хорошо сделанной записи: он есть, но слишком тихий, чтобы на что-то влиять. барабан или тяжелая басовая партия: вы хотите, чтобы слушатель почувствовал внезапное давление в груди – при условии, конечно, что его система воспроизведения может это обеспечить. Потому что это имеет музыкальный смысл.
Помимо этой основной причины, есть множество других технических аспектов, которые имеют большое значение для ваших миксов. Помните, что отличный микс — это просто сумма множества хороших маленьких решений, тогда как плохой микс — это полная противоположность. Каждый элемент крошечный, но в сумме они дают большую разницу. Давайте посмотрим на некоторые из них.
Когда вы сводите, у вас есть ограниченное пространство для обработки сигнала, называемое запасом по мощности.
Даже при современной 24-битной записи и безумном динамическом диапазоне, которое она обеспечивает, это пространство все еще очень ограничено. Вам нужно это пространство, чтобы вы могли работать над каждым треком, не искажая сигнал, что на практике означает выход за пределы напряжения, которое может выдержать устройство. Каждый трек в миксе суммируется, постепенно потребляя все больше и больше энергии. это пространство при добавлении треков; ваш запас мощности уменьшается с каждым добавленным треком, пока — при условии, что у вас хорошая структура усиления — микс перед мастером не достигнет пика где-то -6dbFS или что-то в этом роде. Поскольку каждый звук можно рассматривать как сложную волну давления с течением времени, «сложение» означает суммирование волн – то есть интерференцию. Эти волны, как правило, не коррелированы – это означает, что в один и тот же промежуток времени различные части волн с разных треков будут иметь разную форму и «точки» в разных направлениях.
Вот почему, когда вы добавляете в микс гитару, средний уровень которой составляет -18 дБ полной шкалы на ее собственном канале, вы на самом деле не видите, что ваш измеритель Мастер шины увеличивается на 18 дБ полной шкалы. Тем не менее, низкие частоты обладают наибольшей, скажем так, «мощностью», то есть они съедают больше всего запаса мощности. Причина в том, что низкая частота означает большую длину волны и большую амплитуду, что, в свою очередь, означает перемещение огромного объема воздуха. Чтобы его переместить, вам нужна большая мощность. Именно по этой причине ваш гитарный усилитель имеет мощность, скажем, 100 Вт, в то время как усилитель для бас-гитары должен иметь мощность не менее 500 Вт, чтобы его можно было услышать на той же сцене. Басовый усилитель должен работать гораздо усерднее, потому что ему приходится перемещать гораздо больше воздуха, чем гитарному, который излучает средние частоты. Конечным результатом всего этого является то, что если вы оставите весь этот низкочастотный грохот для каждого трека, который музыкальное значение, вы будете использовать гораздо больше запаса, чем в противном случае — это означает, что вы не сможете использовать этот запас для вещей, имеющих музыкальное значение (например, это прекрасное усиление вашего гитарного соло).
Ты этого не слышишь
Хуже того, вы обычно даже не догадываетесь, что это происходит. Причина просто в том, что большинство мониторов ближнего поля (даже хороших) не могут сколько-нибудь осмысленно воспроизводить такие низкие частоты. В результате вы увидите потерю запаса на своих измерителях, но не услышите этого – и вам часто будет трудно понять, почему. Конечно, есть сабвуферы, но для использования сабвуфера вам нужна действительно хорошая комната (иначе басы полностью исказят звук в комнате, прежде чем вы услышите грохот). Более того, даже если у вас есть сабвуфер или даже «основные» студийные мониторы (эти огромные громкие штуки, встроенные в стену большой студии перед вами, за большой консолью со всеми красивыми огнями), вам нужно будет взорвать их, чтобы почувствовать гул.
Если вы что-нибудь знаете о сведении, вы знаете, что в основном мы хотим сводить на разговорном уровне громкости. Так что, даже имея такое оборудование и такое пространство, шансы, что вы заметите проблемы низких частот, невелики.
Это делает ваш трек тише (да, в LUFS)
Мы видели, что большинство ваших треков не будут иметь ничего значимого на самых низких частотах.
И мы видели, что если вы не срежете это, каждый раз, когда вы сводите трек, грохот ненужных низких будет суммироваться, съедая огромное количество запаса по мощности без всякой причины.
Интересным эффектом этого факта является то, что вы получите микс, который имеет очень высокие пики по всей гамме, но звучит очень тихо — потому что большая часть запаса мощности используется тем низкочастотным шумом, который вы не слышите.
По тем же причинам, если вы оставите низкие частоты на каждом треке, есть вероятность, что правильные системы воспроизведения не смогут воспроизводить ваш микс очень громко или, по крайней мере, так же громко, как конкуренты. Причина снова проста: предположим, что система воспроизведения может воспроизводить низкие басы. Если в вашей песне много низкочастотного контента, усилители потратят на это большую часть своей мощности, и вы заставите динамики работать очень усердно… не воспроизведя ничего полезного. Это означает, что когда придет очередь вашего трека для воспроизведения, при том же положении ручки громкости он будет звучать гораздо менее громко, чем другие. Опять же, это трудно обнаружить даже с помощью хорошей студийной установки, просто потому, что эта установка (и комната, в которой она установлена) обычно может неправильно воспроизвести этот низкий бас, маскируя проблему.
Это может заставить вашу аудиторию сказать «WTF».
И даже если эта система для стадиона или клуба чрезвычайно мощная (и, таким образом, может просто воспроизводить ваш микс с мощностью, скажем, 70%, тогда как хорошим системам требуется только 50%), в результате зрители внезапно услышат давление в груди на совершенно неправильный момент… потому что грохот, который вы оставили, является случайным и совершенно не коррелирует с играющей музыкой. Даже если они этого не осознают, у них возникает очень странное ощущение, что что-то не так.
А как насчет мастеринга, спросите вы?
Мастеринг-инженер, достойный этого звания, обязательно отрежет эту чушь, если она будет чрезмерной (конечно, при условии, что «мастеринг-инженер» — это не парень с аналоговым трекбоксом и ноутбуком — или просто ноутбуком). Но: при этом инженеру обязательно придется вырезать также бочку, бас или что-нибудь еще, что может быть там, потому что он не имеет доступа к трекам.
И вы все равно сделаете микс, в котором у вас будет гораздо меньше места для микширования, чем могло бы быть. Итак, как всегда, почему бы не исправить это во время записи или, что еще хуже, в миксе?
Но, но… если я сделаю хай-пасс, не испорчу ли я нижний диапазон?
Иногда в этом водовороте мифов и знаний, которым является Интернет, вы найдете людей, которые без сомнения заявляют, что, если вы отфильтруете низкие частоты у своих треков, вы «повредите нижний диапазон».
Что бы это ни значило. Среди них те, кто любит использовать громкие слова для показухи, также упомянут такие вещи, как «фазовый сдвиг», а иногда даже «линейный фазовый эквалайзер». Если вы проследили вышеизложенное, вы поймете, что эта идея , мягко говоря, не верная.
Причина по которой на большинстве треков нужно применять хай пасс фильтр заключается в том, что у большинства инструментов нет никакой нужной информации в низких частотах.
Оставьте бочку (и бас) в покое, и все будет в порядке.
Учитывая все вышесказанное, теперь должно быть ясно, что большинство треков должны быть пропущены через хайпасс, чтобы сохранить только соответствующее музыкальное содержание и избавиться от низкочастотного шума. Однако следует ли использовать фильтр высоких частот на этапе записи или при микшировании? Если вы проследили вышеизложенное, ответ снова прост: многие из тех же проблем с запасом мощности, которые вы обнаруживаете при микшировании, присутствуют и при записи.
Только вместо микшерной шины будет потрачен впустую запас по входному каскаду микрофона. Чтобы избежать этого, многие микрофоны оснащены встроенным переключаемым фильтром верхних частот: он устроен таким образом, что при включенном фильтре входной каскад не «слышит» грохот и пропускает музыкальную часть звука. Этот переключатель — ваш лучший друг, и почти всегда его использование — разумный поступок.
Обычное исключение — если вы записываете бочку или бас-кабинет — и микрофон может выдержать мощность без искажений (в противном случае вы используете неправильный микрофон). Однако, если вы не уверены, каким был сигнал записан или у вашего микрофона нет фильтра верхних частот, лучше всего сначала добавить его при компоновке треков для финального сведения.
Так что, нарушим правила?
Вот почему общие утверждения типа «трудно установить жесткие правила для чего-либо в музыке» совершенно неверны. Они просто показывают, что человек на самом деле не понимает, что происходит – по крайней мере, на том уровне, когда это влияет на принятие решений. Некоторые правила можно нарушать. Другие подобны гравитации — они просто присущи тому, как обстоят дела в физическом мире (а звук — это во многом физическая сущность). Так что в следующий раз обязательно напишите песню в три припева и два дропа, или с перевернутыми словами, или расставив диссонансные аккорды в нужном месте, да что угодно… и, возможно, у вас получится оригинальная музыка и даже хит.
Но ради всего святого, поставьте хайпасс на все треки, которые в этом нуждаются! Удачной записи!
Когда новая группа начинает осваивать музыкальную индустрию, может возникнуть соблазн действовать в одиночку, записывая и выпуская всю свою музыку без участия продюсеров и лейблов. Не имея оборудования и средств, необходимых для профессиональной обработки вашей музыки, многие артисты рады выразить себя, используя небольшую и недорогую записывающую установку, а затем выпускают свои домашние записи через стриминговые сервисы.
Это «инди» путь!
Этот подход «сделай сам», безусловно, является жизнеспособным вариантом, и он хорошо работает для артистов всех мастей – часто с большим успехом! Но вы должны знать, что на этом ваши возможности не заканчиваются. Вы можете обнаружить, что обращение к услугам опытного продюсера и студии звукозаписи — это именно то, что вам нужно, чтобы вывести свою музыку на новый уровень. Действительно, помимо своих технических возможностей, продюсеры, скорее всего, подойдут к вашему материалу, имея многолетний, а зачастую и десятилетний опыт. Сегодня многие группы, которые ранее сделали себе имя «под флагом инди», обнаруживают, что не могут жить без своих продюсеров! Давайте рассмотрим некоторые причины, по которым ваша группа также может воспользоваться услугами продюсера.
ДРУГАЯ ПАРА УШЕЙ
Для артиста создание музыки — это долгий и затяжной процесс написания, переписывания, репетиций, записи, редактирования и мастеринга. Когда ваша группа проводит так много времени только с одной песней, они с большей вероятностью упускают из виду общую картину. Мелкие детали музыки могут раздражать вас целыми днями. Вы можете даже перестать любить песню просто из-за разочарования. Когда вы изо всех сил пытаетесь увидеть лес за деревьями, продюсер может стать вашим спасением.
Когда они слушают одну из ваших песен, они слышат ее не только опытными ушами, но и незнакомыми ушами. Они услышат о проблемах, которые вы, возможно, не заметили, потому что были слишком близко. Возможно, можно было бы улучшить структуру песни. Продюсер будет слышать вашу музыку иначе, чем вы, что неоценимо при записи. Но речь идет не только о выявлении негативов – продюсеры помогут группе выявить свои сильные стороны и сосредоточиться на них, раскрывая лучшее в своей музыкальности так, как группа никогда не смогла бы в одиночку.
НЕМНОГО СТУДИЙНОГО КАЧЕСТВА
Один из способов, с помощью которого продюсеры могут подчеркнуть сильные стороны вашего музыкального мастерства, — это придать вашим песням уникальное и высококачественное звучание. Иметь профессиональное оборудование – это одно, а уметь использовать его творчески и выразительно – совсем другое. Это требует многолетнего опыта – опыта, который есть только у продюсеров. Продюсер может применить свои знания и технические ноу-хау к вашей музыке. Они будут знать, какие микрофоны лучше всего подходят для вашего вокала, какие эффекты лучше всего подойдут к вашим инструментам и какие гитарные партии требуют наложения. Ваши барабаны будут иметь пространство для дыхания, прекрасно сидят в миксе, а не подавляют его.
В целом, группы смогут гораздо точнее запечатлеть и представить свою музыку с помощью продюсера, который сможет извлечь из их музыки максимум пользы. Они также смогут больше сосредоточиться на музыке, когда продюсер уже осветил техническую сторону дела – как указано выше, зацикливание на более мелких деталях, таких как особенности гитарного тона или эквалайзер на малом барабане, может в конечном итоге отвлечь от самой песни . Хороший продюсер позаботится об оборудовании и звукорежиссуре, одновременно побуждая группу задуматься о более нематериальных аспектах записи.
ВКУС ИНДУСТРИИ
Для независимых групп, впервые пришедших в игру, приглашение продюсера помочь в записи вашего материала может послужить введением в музыкальную индустрию в целом. Вы можете начать чувствовать себя аутсайдером, когда вам придется записывать и выпускать музыку исключительно на своих условиях.
Более того, нравится вам это или нет, наличие продюсера на вашей пластинке служит своего рода подтверждением того дополнительного качества, которое он может предложить. Они могут придать вашей музыке дополнительное преимущество, упрощая ее продвижение и распространение среди более широкой аудитории. Таким образом, продюсеры могут стать неоценимым активом с точки зрения вашей музыкальной карьеры, особенно для тех, кто хочет зарабатывать на жизнь своей группой. Хотя в домашних записях и самостоятельных релизах, конечно, есть определенное очарование, они могут не сослужить вам хорошую службу, когда дело доходит до заключения контракта на запись или бронирования площадок для выступлений. Каждому нужно с чего-то начинать, но и куда-то нужно идти !
ОЩУЩЕНИЕ УЛУЧШЕНИЯ
Понятно, что многие группы опасаются, что продюсер помешает их творческой индивидуальности. Когда вы цените свою независимость как группы и, возможно, даже предпочитаете делать все самостоятельно, привлечение продюсера к работе может показаться ненужным или контрпродуктивным. Однако такие сомнения часто основаны на заблуждении, что продюсеры возьмут на себя вашу музыку и попытаются сделать все от вашего имени, тогда как на самом деле их цель — просто помочь вашему творчеству, давая вашей группе ощущение улучшения, наполняя музыку качеством, которого она заслуживает.
Продюсер постарается помочь вашей музыке вписаться в более широкую эстетику и создать целостный вид. Теперь они будут очень осторожны, чтобы помешать выразительной цели или творческому посланию, которое ваша группа пытается передать через музыку. Хотя они высказывают свое мнение о лучшем оборудовании и качестве звука, именно группа всегда будет контролировать направление своей музыки. По большей части они не будут пытаться оставить свой след в вашей работе и не будут использовать ее в своих целях. Хорошие продюсеры не только не навязывают вашей группе, они всегда знают, когда нужно сделать шаг назад и позволить группе делать свое дело.
Если вы музыкальный исполнитель, начинающий строить имя на живых выступлениях, то, возможно, пришло время выпустить несколько композиций. Прежде чем отправиться в студию и записать тот дебютный шедевр, который вы раскручивали в загруженных пабах и клубах по всей стране, важно знать, каким образом наиболее эффективно выпустить музыку.
В этой статье мы рассмотрим синглы, микстейпы, ЕР и альбомы, сравнивая их различия и преимущества, чтобы вы могли определить, какой формат наиболее подходит для релиза вашей работы.
СТОИТ ЛИ МНЕ ПУБЛИКОВАТЬ СИНГЛ, МИКСТЕЙП, ЕР ИЛИ АЛЬБОМ? Первый вопрос, который вам следует задать себе, — какой тип релиза поможет вам создать фан-базу. Этот вопрос кажется простым, но есть различные факторы, которые следует учесть: как ваши потенциальные поклонники могут обнаружить новую музыку? Как они скорее всего будут делиться ею с друзьями? Будут ли они покупать товары с символикой или билеты на концерты, чтобы отметить релиз новой музыки?
Также важно учесть, в какой точке вашей музыкальной карьеры вы находитесь, что мы рассмотрим в течение этой статьи. Также стоит учесть жанр, например, хип-хоп-исполнители могут быстро записывать микстейпы, в то время как амбиентные электронные исполнители могут вообще пропустить синглы.
В конечном итоге это вопрос цели. Поэтому в этой статье мы упомянем некоторые основные назначения синглов, микстейпов, ЕР и альбомов, чтобы вы могли определить, в каком формате лучше всего начать вашу карьеру.
ЧТО ТАКОЕ ЕР? ЕР (сокращение от «extended play») можно рассматривать как мини-альбом. Обычно он состоит из 4-6 треков, которые демонстрируют ваш спектр музыкальных стилей. Его необязательно делать таким же связанным, как альбом, но он должен сложиться в качественный музыкальный опыт для слушателей. Если ваш релиз содержит от четырех до шести треков (с общей продолжительностью 30 минут) или от одного до трех треков, если хотя бы один из них не менее 10 минут, а общая продолжительность не превышает 30 минут, iTunes будет классифицировать его как ЕР. Spotify также определяет ЕР как общую продолжительность не более 30 минут, но требует наличия от четырех до шести треков.
КАКОВА РАЗНИЦА МЕЖДУ ЕП И АЛЬБОМОМ? Помимо меньшей продолжительности, ЕП не обязательно требует единого тематического уклона. Они обычно выпускаются для продвижения ваших лучших треков, чтобы привлечь интерес к альбому или другому музыкальному проекту. Если вы надеетесь привлечь аудиторию, ваше ЕП может привлечь внимание людей, которые ищут новую музыку для наслаждения, и поскольку производство дешевле, выпуск ЕП является менее рискованным, чем выпуск альбома.
ЧТО ТАКОЕ МИКСТЕЙП И ПОЧЕМУ ВЫ ХОТЕЛИ БЫ ПУБЛИКОВАТЬ ЕГО? Раньше записывая песни с радио на кассету, поклонники музыки получали возможность слушать свои любимые треки бесплатно. Люди часто делились микстейпами с друзьями, и хотя это был вид пиратства, это помогало группам увеличить осведомленность и интерес.
Впоследствии хип-хоп-исполнители и рэперы начали создавать микстейпы, заимствуя треки у других исполнителей и добавляя свою изюминку. Лил Уэйн был одним из исполнителей, которые использовали микстейпы, чтобы подняться на вершину славы. Хотя поклонники музыки продолжают создавать свои собственные микстейпы, артисты используют их, чтобы создать компиляцию песен или сотрудничать с другими исполнителями своего сообщества.
Однако у аудитории есть одно конкретное ожидание, когда дело касается микстейпов: они либо бесплатны, либо намного дешевле, чем альбомы, и чаще всего они просто бесплатны.
ЗАЧЕМ ТЕБЕ ДЕЛАТЬ МИКСТЕЙП?
Когда вы выпускаете микстейп, вы делаете это потому, что хотите, чтобы люди слушали вашу музыку. Если им это понравится, они будут готовы купить альбом или билеты, когда вы будете в туре. Вы также можете надеяться, что ваш микстейп привлечет внимание звукозаписывающей компании.
Создание микстейпа должно быть дешевым. Распространить его довольно легко, и вы, вероятно, сделаете это самостоятельно, используя различные онлайн-платформы, такие как Вконтакте или даже Тик Ток. Микстейпы позволяют вам продемонстрировать весь свой творческий диапазон, а также наиболее заметные влияния, на которые вы оказали влияние. Однако остерегайтесь нарушения авторских прав. Если вы «заимствуете» треки, убедитесь, что у вас есть на это разрешение. У фронтмена Eagles Дона Хенли было немало публичных ссор с Фрэнком Оушеном, когда тот попробовал записать культовый трек «Hotel California» для своего получившего признание критиков микстейпа «Nostalgia, Ultra».
В ЧЕМ РАЗНИЦА МЕЖДУ МИКСТЕЙПАМИ И АЛЬБОМАМИ?
Разницу между микстейпами и альбомами может быть трудно заметить, потому что микстейпы не всегда настолько «смешаны», как можно было бы ожидать. Например, хотя в старом микстейпе участвовали разные исполнители, теперь микстейпы выпускают и сольные исполнители. Однако в целом они выпускаются дешево, предлагаются бесплатно и не обязательно содержат логичный набор треков.
Высшая выгода? Повышение! Независимо от того, являетесь ли вы уже известным человеком и хотите привлечь больше внимания или находитесь на начальной стадии своей музыкальной карьеры, микстейп может стать мощным инструментом.
ЧТО ТАКОЕ СИНГЛЫ И В ЧЕМ ИХ ПРЕИМУЩЕСТВА?
Раньше, когда каждый новый релиз был виниловой пластинкой, сингл представлял собой небольшую пластинку, состоящую всего из двух треков. Сегодня определение варьируется в зависимости от выбранной вами платформы:
Согласно TuneCore, сингл состоит из одного трека, что кажется логичным, но это не единственный способ определения этого формата.
В iTunes сингл может состоять из трех треков и иметь продолжительность воспроизведения не более 30 минут, при этом ни один из треков не превышает 10 минут. Чтобы купить один трек в iTunes, меломаны платят всего 82 пенса (намного ниже, чем цена альбома), так что вы с большей вероятностью привлечете потенциальных фанатов, которые пробуют почву.
Spotify определяет сингл почти так же, как iTunes. В нем указано, что релиз имеет продолжительность прослушивания не более 30 минут и состоит не более чем из 3-х треков. Однако продолжительность любого трека не ограничена 10 минутами.
Выпуск сингла имеет множество преимуществ. Во-первых, вы выпустите его намного быстрее, чем альбом или EP. Это также означает более быструю обратную связь. Даете ли вы своей аудитории то, что она хочет, или вам следует попробовать другой подход? Степень энтузиазма, с которым будет встречен ваш сингл, даст вам ответы. Риск невелик – определенно ниже, чем был бы для альбома или EP.
В синглах представлены ваши самые лучшие треки, так что это возможность проявить себя с лучшей стороны. Если ваш сингл завоевал у вас аудиторию, вы можете поддерживать интерес людей, выпуская больше синглов в течение определенного периода времени. Если вы работаете над альбомом или EP, вы знаете, что это большой и трудоемкий проект. Держите своих поклонников в курсе вашей музыки и стремитесь увидеть, что вы будете делать дальше, предлагая им синглы. Тем временем вы собираете ценную информацию о том, что нравится вашему рынку.
ЧТО ТАКОЕ АЛЬБОМ И ПОЧЕМУ ОН ВАЖЕН ДЛЯ МУЗЫКАНТОВ?
Начнем с определения альбома. Несколько десятилетий назад это была бы виниловая пластинка. Сегодня это будет компакт-диск или онлайн-релиз, соответствующий определенным критериям.
Если вы выпустите альбом на TuneCore, он будет состоять из двух и более треков, максимум 100 треков и продолжительностью не более 2,5 часов. При выборе iTunes платформа ожидает, что в вашем альбоме будет либо шесть или более треков, либо продолжительность воспроизведения более 30 минут.
По сути, альбом — это большой проект, созданный для передачи объединяющей темы или послания. Добьетесь успеха, и престиж будет высок. Потерпите неудачу, и вы не сможете вернуть все, что вложили.
ЗАЧЕМ ВЫПУСКАТЬ АЛЬБОМ?
Прежде чем мы перейдем к преимуществам выпуска альбома, нам нужно внимательно и внимательно взглянуть на недостатки. Продажи альбомов стабильно падают на протяжении последних 8 лет. Несмотря на недавний всплеск популярности BTS и усилий Адель и Тейлор Свифт, 83% доходов музыкальной индустрии приходится на потоковые сервисы. И даже крупнейшие представители музыкальной индустрии фиксируют неутешительные продажи альбомов. Вот почему многие инсайдеры рекомендуют частые выпуски синглов, EP и микстейпов вместо огромных усилий, потраченных на альбом.
Это не значит, что вам не следует записывать альбом, но это означает, что вам следует проявлять осторожность, прежде чем вкладывать все свое сердце и душу в рискованный проект. Если у вас большая аудитория и преданные поклонники готовы раскупить ваши последние релизы, создание альбома может быть разумным шагом. В конце концов, это позволяет вам сделать широкое художественное заявление, в котором вы сможете продемонстрировать свое развитие как артиста. А поскольку у вас есть целый альбом, вам будет легче продемонстрировать глубину своего таланта в различных треках.
С другой стороны, у вас есть один релиз: альбом. Разделите это на синглы, и вы будете чаще обращаться к своей аудитории и будете иметь множество возможностей заинтересовать людей вашей музыкой, а не только одной большой. Так что у многообещающего, неподписанного или независимого музыканта есть еще больше причин поддерживать интерес своей аудитории и привлекать новых подписчиков, выпуская новые треки довольно часто.
Если у вас есть подписчики и вы думаете, что пришло время объединить несколько треков в альбом, вы получите лучшее из обоих миров: альбом, который демонстрирует ваше искусство и делает большое заявление, а также частые релизы для сохранения и расширения вашей фанатской базы.
СИНГЛ, МИКСТЕЙП, EP ИЛИ АЛЬБОМ: ИТОГИ
Подводя итог, давайте уточним некоторые обобщения, которые могут указать путь к формату, который вы выберете для своего следующего выпуска:
Выберите сингл, если хотите проверить почву, заинтересовать людей своей музыкой и создать базу поклонников. Поддерживайте темп с помощью частых выпусков, которые подкрепят ваши первоначальные усилия.
Выберите микстейп, если продвижение важнее прибыли. Ваша основная цель — заставить людей слушать вашу музыку.
EP представляет собой небольшую коллекцию вашей музыки и позволяет слушателям лучше понять ваш творческий диапазон. Он более содержателен, чем сингл, но стоит дешевле и, следовательно, менее рискован, чем выкладываться по полной с альбомом.
Ваш альбом нацелен на конвертированную аудиторию фанатов. Его сложнее создать, чем EP или сингл, но он дает больше возможностей для самовыражения.
В заключение давайте посмотрим на одну вещь, которая всегда имеет значение, независимо от того, как вы решите сделать свою музыку доступной для публики: качество. Коллега-музыкант, возможно, похвалит вас за технику, но для обычного слушателя качество звука так же важно, как и сам материал.
Вот почему для вашей следующей записи вам следует заручиться помощью команды экспертов Top Records и высококлассного оборудования. Будучи одной из ведущих Питерских студий звукозаписи, у нас есть навыки и опыт, чтобы воплотить ваше художественное видение в жизнь. Мы предлагаем комплекс услуг, в том числе живая студийная запись, тренер вокала и место для съемки видео.
Мы работали как с известными артистами, так и с новыми начинающими талантами, убедитесь в этом сами, ознакомившись с нашими клиентами и примерами работ до бронирования сеанса в нашей профессиональной студии звукозаписи.
Если музыка течет по вашим венам, и вы потратили годы на овладение своим ремеслом, сочинение собственных песен и совершенствование своего таланта, то сейчас прекрасное время подумать о создании профессионального трека. Мир звуковой инженерии может быть довольно сложным, если вы никогда раньше не записывали, особенно когда это означает освоение новых процессов и терминологии. Если вам интересно, в чем разница между сведением и мастерингом, то эта статья ответит на все ваши вопросы и поможет пройти важный этап вашего профессионального пути.
ТРЕКИНГ, СВЕДЕНИЕ И МАСТЕРИНГ
Когда вы впервые посещаете студию, вы начинаете с записи своей песни. Это довольно простой процесс, который просто относится к записи вашей песни на цифровой звуковой рабочей станции (DAW), чтобы звукорежиссеры могли над ней поработать. Теперь все может стать немного более сложным и техническим.
ЧТО ТАКОЕ СВЕДЕНИЕ?
Сведение это процесс балансировки отдельных элементов в треках, включая вокал и различные инструменты. Этот процесс восходит к 1950-м годам, когда инженеров по сведению называли инженерами по балансировке, потому что они работали над балансировкой громкости каждого инструмента. Сегодня, когда технологии развиваются, работа становится намного более сложной и имеет дело со многими другими переменными, но все равно она начинается с баланса в основе.
Некоторые из наиболее важных элементов аудиомикса включают:
Баланс — это основанная на громкости взаимосвязь между различными аудиоэлементами. Он выводит разные элементы на одинаковый или соответствующий уровень, поэтому ни один элемент не заглушает другой.
Панорама — каждый аудиоэлемент должен существовать в звуковом поле, что делает его полностью доступным путем панорамирования для создания стереомикса.
Частота — это представление всех звуковых частот надлежащим образом и требует очень чувствительного уха. Хотя это можно сделать на стадии мониторинга, это более эффективно достигается во время сведения.
Dimension — это атмосфера трека, в которой инструменты реверберации и задержки используются для создания так называемого «более влажного» микса, наполненного эффектами, оживляющими трек.
Интерес — это элементы, которые используются для того, чтобы вызвать у слушателя оптимальную эмоциональную реакцию на песню. Часть, которая вызывает слезы на глазах или заставляет вас танцевать.
Сегодня сведение может быть масштабным проектом, в котором даже во время сессий генерируется более 100 треков. Это также место, где происходят самые драматические изменения в дорожке, и принято вносить радикальные корректировки в различные элементы, настраивая их и изменяя их широкими мазками. Это делает микширование одним из самых сложных и требовательных этапов создания песни, когда каждый трек разбивается на его основные элементы и перестраивается, чтобы сделать его намного больше, чем сумма его частей.
Звукорежиссер сможет смотреть на каждый элемент отдельно (обычно каждый инструмент или аудиокомпонент сохраняется отдельно, называется и имеет цветовую кодировку для ясности), чтобы посмотреть на громкость, динамику, частоты и пространственное размещение каждого элемента. Это необходимо для того, чтобы они не были слишком громкими или слишком тихими, не заглушали друг друга, чтобы переходные процессы не были слишком навязчивыми и чтобы они звучали соответственно близко или дальше от слушателя. Если вам нужно больше ведущего вокала, более сильный ритм ударных, более мягкая базовая линия или более мягкая ведущая гитара, ваш инженер по микшированию может предоставить их.
У каждого инженера по сведению есть свой рабочий процесс, который помогает добиться этого, но он, как правило, включает два отдельных этапа. На первом этапе инженер сосредотачивается на технических элементах, чтобы создать аутентичную и лучшую версию песни. Это более методичный и научный этап процесса, на котором вы пытаетесь создать результат, который соответствует определенному набору критериев для профессионального трека. Он может быть невероятно повторяющимся, и инженеры по микшированию должны иметь возможность слышать трек снова и снова во всех деталях на протяжении всего этого процесса.
На втором этапе проявляется истинная ценность инженера по сведению. Здесь креативность так же важна, как и опыт, и ваш инженер сведения будет использовать свои таланты, чтобы сделать микс столь же привлекательным, ярким и эмоционально привлекательным, как это в принципе возможно.
На этом этапе настраиваются переменные для создания правильного отклика в слушателе и настраивается каждый элемент, чтобы он был как можно более ясным и запоминающимся. Стереорасширители, фазеры, хорус, насыщенность и автоматизация — все это инструменты, которые обычно используются на этом этапе, чтобы сделать трек как можно более гиперреалистичным и всеобъемлющим, а инженеры по микшированию могут редактировать части трека, отрезая части и сращивание в новых секциях, чтобы изменить финальную дорожку. Обычно говорят, что этот процесс составляет большую часть окончательного звучания трека и подготавливает трек для окончательного мастеринга.
Популярное программное обеспечение для сведения, которое позволяет вам получить доступ к каждому инструменту и аудиоэлементу по отдельности, включает Adobe Audition, Logic Pro X, FabFilter Pro-Q3, Waves Renaissance Maxx и iZotope Neutron 3 Standard.
Как только ваш трек достиг такого уровня точности, он еще не закончен. Теперь пора переходить к мастерингу.
ЧТО ТАКОЕ МАСТЕРИНГ?
Это последний процесс доработки трека перед распространением — вишенка на вершине, которая берет на себя тяжелую работу, выполненную в процессе микширования, и поднимает ее на еще более высокий уровень. Это то, что поднимет ваш трек на тот же уровень, что и профессиональные миксы, придав ему такое же полностью законченное качество, как и любой другой трек, который вы слышите по радио, транслируете из списка воспроизведения или слышите на саундтреке. Это также то, что оживляет весь альбом, объединяя каждую песню в единое и захватывающее целое.
Для этого мастеринг-инженеры обрабатывают весь микс, чтобы сделать трек громче, улучшить качество и убедиться, что он работает на всех типах аудиосистем и форматов, используемых для распространения. Это достигается с помощью инструментов регулировки громкости, эквалайзера и сжатия, а также ограничителя. Лимитеры — одна из самых интересных частей оборудования для мастеринга звука, поскольку они заставляют песню казаться громче, чем она есть на самом деле, придавая треку такую же мощность даже при более низкой громкости.
Некоторые из наиболее важных элементов аудио мастеринга включают в себя:
Динамика — сжатие, ограничение и стробирование помогают поддерживать приятный уровень каждого элемента звука, гарантируя, что ни один элемент не станет слишком интенсивным в общем звуке.
Эквалайзеры — они формируют тон дорожки, увеличивая или уменьшая определенные частотные диапазоны.
Фильтры гармоник — эти фильтры помогают создать в миксе ощущение энергии и волнения.
Уменьшение битовой глубины и преобразование частоты дискретизации — также называемое дизерингом, это преобразовывает записи с большей длиной слова в более низкие битовые глубины, сохраняя при этом тот же динамический диапазон, обеспечивая одинаковое качество для разных форматов.
В то время как инженеры по микшированию имеют доступ к каждому инструменту и аудиоэлементам на индивидуальном уровне, инженеры по мастерингу работают со всей дорожкой как с единым элементом, чтобы отшлифовать ее, осветлить элементы и прояснить дорожку. Свежий набор ушей слушает микс — это как если бы профессиональный редактор просматривал статью перед ее публикацией, обращаясь к песне целостно, чтобы создать более сплоченный поток и более впечатляющий результат.
Мастеринг также является важным уровнем контроля качества, который необходим, если вы хотите, чтобы ваша песня имела такое же профессиональное звучание, как трек, получивший Грэмми. Это дает второму, опытному профессионалу возможность просмотреть микс и выявить любые ошибки или возможности для дальнейшего уточнения, которые могли быть упущены на загруженной и часто повторяющейся фазе микширования. Их роль — принимать окончательные решения, которые помогают треку действительно сиять и демонстрировать эстетику и послание, которое вы хотите.
Популярные приложения для мастеринга включают Steinberg WaveLab Elements 10, FabFilter Pro-L2, Magix Sequoia и FI Studio.
ПРОФЕССИОНАЛЬНОЕ СВЕДЕНИЕ И МАСТЕРИНГ В СПБ
Как микширование, так и мастеринг — сложные вещи, и, хотя между ними может быть некоторое совпадение, у них есть отличительные стороны, которые нужно использовать при создании профессионального трека. В то время как микширование объединяет элементы для создания вашего звука, мастеринг улучшает и поднимает конечный продукт до самого исключительного уровня. Самая важная вещь, о которой нужно помнить, заключается в том, что по своей сути микширование и мастеринг помогают поднять ваш трек до профессионального и мирового уровня, представляя ваш голос, стиль и сообщение наиболее эффективным и впечатляющим образом.
На студии звукозаписи Top Records в Спб у нас есть команда опытных звукорежиссеров, которые будут работать с вами на каждом этапе этого процесса, от прослушки вашей песни до создания вашего микса и, наконец, его доработки до качества на уровне распространения на этапе мастеринга. Наша команда работала с артистами, которые только начинают свой путь, так и с признанным профессионалам. Помимо предложения всем артистам студии звукозаписи, как пространства для записи сессий, мы также предлагаем широкий спектр высококачественных услуг по обработке аудио.
Чтобы записаться у нас, свяжитесь с нами и забронируйте сеанс — и узнайте, куда наши звукорежиссеры могут вас доставить.
Звукозапись — необходимый навык для каждого современного музыканта, продюсера или битмейкера.
Это ключевая часть почти всех музыкальных стилей.
В отношении такого фундаментального процесса существует множество различных точек зрения и подходов.
Но по сути, запись заключается в том, чтобы сделать вашу работу постоянной, чтобы другие могли испытать ваше видение художника.
Когда вы так говорите, на карту поставлено очень многое. Но бояться нечего.
Запись звука никогда не была такой простой и доступной.
В этой статье я рассмотрю все, что вам нужно знать, чтобы начать запись — с нуля.
Основы звукозаписи
Прежде чем мы углубимся в подробности, вам необходимо понять основы, чтобы начать запись.
Начнем с самого начала
Что такое звукозапись?
Звукозапись означает улавливание звуков из окружающей среды и их сохранение на носителе.
В прошлом аналоговые носители, такие как магнитная лента, использовались для хранения электрического представления звуковых волн.
Сегодня большая часть записей записывается на жесткий диск с помощью цифрового оборудования, такого как DAW или портативный рекордер.
Запись звука — одно из основных направлений музыкального производства . Это метод, используемый для записи выступлений музыкантов, чтобы их можно было объединить в композиции и переработать в коммерческие записи.
Как работает звукозапись?
Все звуки, которые вы слышите вокруг себя, — это просто вибрация, которая создает разницу в давлении воздуха. Эти различия распространяются по воздуху волной.
Ваши уши улавливают изменения давления, а ваш мозг воспринимает сигналы, чтобы создать ощущение звука.
Когда вы записываете звук, вы представляете эти волны, преобразовывая изменения давления воздуха в изменения электрического сигнала.
Образец изменений затем сохраняется на носителе данных, таком как отрезок магнитной ленты или цифровой файл.
Когда приходит время слушать, электрический сигнал снова преобразуется динамиком в изменения давления воздуха .
Как вы записываете звук?
Основной рабочий процесс звукозаписи при производстве музыки состоит из нескольких этапов.
Вот краткое описание того, как обычно работает этот процесс
1. Настройте и подключите
Для записи музыки требуется несколько ключевых элементов оборудования для совместной работы. Это означает, что перед началом работы необходимо правильно подключить каждый элемент.
Типичная сигнальная цепочка начинается с источника звука, подключенного к аудиоинтерфейсу, который передает звук на ваш компьютер.
2. Работайте в DAW.
После подключения вам придется использовать DAW для захвата звука с вашего оборудования.
Это означает создание треков и выбор настроек проекта, чтобы подготовиться к сеансу.
Это также означает управление основными функциями DAW, такими как транспортировка, звукосниматель, соло и приглушение.
3. Используйте микрофон.
Если вы записываете свое пение или игру на инструменте, вы, вероятно, будете использовать микрофон, чтобы записать это.
Чтобы сделать это правильно, вам нужно будет выбрать правильный микрофон и правильно расположить его для получения нужного звука — подробнее об этом позже в этом руководстве.
4. Используйте другое звуковое оборудование.
Рабочий процесс записи у всех разный. У вас может быть другое звуковое оборудование, такое как синтезаторы , драм- машины , грувбоксы или сэмплеры.
Если вы используете какое-либо дополнительное оборудование для записи, вам придется подключиться к своему интерфейсу напрямую или с помощью блока DI, если это необходимо.
Звукозаписывающая аппаратура
Разобравшись с рабочим процессом, мы подробнее рассмотрим каждую часть оборудования и ту роль, которую оно играет в записи.
Я пройдусь по каждому из них и предоставлю несколько ресурсов, которые помогут вам узнать больше.
Микрофоны
Микрофоны — это то, как вы улавливаете звуки в мире вокруг вас. Они работают, преобразовывая звуковые волны в электрические сигналы.
Это основной инструмент, который вы будете использовать для записи записываемых звуков.
Микрофоны варьируются от простых USB-устройств до бесценных старинных копий. Вам нужно будет выбрать один (или несколько) в зависимости от ваших потребностей и целей.
Вот наша коллекция ресурсов, которые помогут вам узнать о микрофонах и сузить круг выбора для их покупки.
30 лучших микрофонов на рынке сегодня
Типы микрофонов: выберите микрофон, подходящий для вашего звука
Покупка первого микрофона: полное руководство из 4 шагов
Выбор вокального микрофона: найдите свой идеальный звук
Аудио интерфейсы
Ваш аудиоинтерфейс — это центральный узел вашей домашней студии. Здесь вы подключаете все свое оборудование и маршрутизируете основные сигналы, входящие и исходящие из DAW.
Здесь также проходят этапы аналого-цифрового и цифро-аналогового преобразования.
Это процессы, которые превращают электрический сигнал с вашего микрофона в цифровую информацию на вашем компьютере — и обратно, чтобы вы могли слышать свою работу в наушниках или динамиках.
Интерфейсы бывают разных конфигураций и наборов функций.
Вот несколько руководств о том, что они из себя представляют, какие из них доступны и как использовать их в производстве музыки.
57 лучших аудиоинтерфейсов на рынке
Как выбрать аудиоинтерфейс для домашней студии
Наушники или мониторы
Наушники или студийные мониторы — это то, как вы слушаете записанные звуки и работаете с ними в вашей DAW.
Вам понадобится пара, чтобы слышать, что вы делаете, и принимать разумные решения.
Горячий совет : вам не нужно покупать дорогую пару динамиков только для того, чтобы начать запись. Многие начинающие продюсеры начинают с наушников и расширяют свою домашнюю студию по мере развития своих навыков.
25 лучших студийных наушников для музыкантов
40 лучших студийных мониторов для вашей домашней студии
Ваша DAW является компьютерной программой используется для создания звуковых файлов и манипулировать ими в музыкальной композиции. Это расшифровывается как DIgital Audio interface.
Существует много разных DAW, но все они служат одной цели — воспроизводить музыку и аудио.
Некоторые из них представляют собой дорогое профессиональное программное обеспечение, другие — бесплатные приложения. Тот, который вы выберете, должен соответствовать вашим целям и стилю рабочего процесса.
Ознакомьтесь с нашими ресурсами по DAW, чтобы узнать о преимуществах и недостатках обычных DAW, а также узнать о советах и приемах, которые помогут вам их использовать.
8 лучших бесплатных DAW для создания музыки
6 лучших онлайн-DAW для легкого создания музыки
10 лучших приложений DAW в мире сегодня
Полевые регистраторы
Если вы не готовы сразу создать полноценную домашнюю студию , вы все равно можете почувствовать вкус записи с помощью полевого рекордера .
Это портативные автономные устройства, которые включают в себя все элементы, необходимые для захвата звука и сохранения его в цифровом формате.
Они также являются творческими инструментами для экспериментов со звуком, если вы любите приключения.
13 лучших полевых регистраторов для портативной записи
Плагины
Плагины — это дополнительное аудио программное обеспечение, которое вы используете в своей DAW для микширования и звукового дизайна .
Они не являются строго обязательными, но вам, вероятно, понадобится несколько, чтобы добиться желаемого звука от ваших треков.
Сегодняшние DAW поставляются со встроенными отличными плагинами, но многие продюсеры предпочитают создавать свою собственную уникальную коллекцию инструментов формирования тона, чтобы помочь определить свое звучание.
Вот несколько ресурсов о том, где найти бесплатные плагины, и лучшие места для покупок премиум-предложений.
200 лучших бесплатных плагинов VST на свете
12 лучших вокальных плагинов на рынке сегодня
Методы звукозаписи
После того, как вы настроите записывающее оборудование, вам необходимо знать несколько основных методов его использования.
Вот обзор основных задач записи для производства музыки .
Получить постановку
Постановка усиления означает настройку уровня предусилителя вашего интерфейса, чтобы он улавливал сигнал, достаточно сильный для работы.
Цель состоит в том, чтобы ваш сигнал был достаточно громким, чтобы избежать шума, но не настолько сильным, чтобы он подавлял входной сигнал.
Сладкое пятно называется запасом по высоте. Вот руководство, чтобы получить хороший запас при записи .
Отслеживание вашей производительности
Хорошая работа — это самостоятельный навык. Работа с артистом для достижения наилучших результатов — одна из типичных задач музыкального продюсера .
Даже если вы просто записываете себя, вы все равно можете сыграть роль продюсера, если найдете время на планирование.
Например, вот руководство по профессиональному отслеживанию вокала .
Наложение ваших партий
Профессиональные записи не часто делаются в один дубль, снятый вживую.
Вместо этого каждый инструмент записывается отдельно для получения наилучшего звука. Это называется мультислежением.
Это означает, что у музыкантов есть несколько попыток правильно сыграть свои партии. Они даже могут останавливать, запускать или перезаписывать то, что делали раньше.
Процесс записи дополнительных дублей поверх основного называется наложением. Это связано с тем , что нужно начинать с середины дубля для короткого отрезка.
Эти два метода пришли с первых дней записи на аналоговую ленту, но они по-прежнему являются важной частью того, как музыка записывается сегодня.
Редактирование дубля
После того, как ваши партии записаны в DAW, вы можете дальше манипулировать ими, чтобы улучшить исполнение или получить лучший звук.
Этот этап процесса называется редактированием звука .
Здесь треки очищаются от шума и артефактов процесса записи.
Вырезая и вставляя, растягивая по времени или используя плагины, такие как Auto-Tune , вы также можете исправить небольшие ошибки в исполнении.
Вот несколько ресурсов, которые помогут вам начать работу с этими методами.
Постановка роста: как достичь здорового уровня для лучшего микса
Начинаем: как получить максимальную отдачу от DAW
Редактирование аудио: 10 полезных советов для достижения лучших результатов
Сведение и мастеринг
Когда ваши звуки правильно записаны и отредактированы, следующий шаг — сбалансировать их и смешать вместе. Этот процесс называется смешиванием.
Сведение музыки — это глубокая тема, но основная идея состоит в том, чтобы сформировать частоты и динамику каждого звука так, чтобы все элементы можно было отчетливо слышать.
Мастеринг — это последний шаг в процессе создания музыки. Здесь ваш законченный микс получает полировку, которая делает его готовым к выпуску.
Мастеринг — одна из самых важных частей создания песни, хотя начинающие продюсеры иногда ее не замечают.
Рассмотрим основы мастеринга и объясним, почему это необходимо.
Как микшировать музыку
Что такое мастеринг?
5 причин, почему так важно владеть мастером
Послушайте, как LANDR Mastering улучшит вашу музыку
Поделитесь своими песнями
С готовым продуктом нет ничего более приятного, чем поделиться своими записями со всем миром.
Для этого вам понадобится удобный способ, чтобы поклонники могли слушать. Вот как это работает.
Цифровое распространение
Распространение цифровой музыки — это сервис, который вы используете для того, чтобы ваши песни были доступны на платформах потокового вещания.
Дистрибьютор управляет правами на вашу музыку и следит за тем, чтобы вы получали деньги за свои стримы.
Вам нужно будет выбрать правильный план для вашей ситуации.
Музыкальное продвижение
Наконец, вы не сможете привлечь внимание к своей работе, не потратив некоторое время на продвижение музыки.
Даже если вы только начинаете, правильный способ поделиться своими треками изменит ситуацию и поможет вам расти.
Вот пошаговое объяснение основных методов продвижения музыки .
Как разместить свою музыку на Spotify и транслироваться
Как получить свою музыку на TikTok за 5 шагов
Все, что музыканты должны знать о распространении музыки
Как продвигать свою музыку: основное руководство
Делайте отличные записи
Запись музыки — это глубокая тема, которая может даже превратиться в страсть, когда вы начнете.
Несмотря на то, что вам предстоит многому научиться, вы найдете все необходимые ресурсы в Интернете.
Теперь, когда у вас есть преимущество в записи, вернитесь к своей музыке и продолжайте творить.
В рамках нашей новой серии блогов меня попросили выбрать часть оборудования и написать обзор. Я много думал об этом и решил написать о том, что, возможно, является самой важной частью сигнальной цепи (помимо таланта, конечно): микрофоном. Осознавая масштаб этой задачи, я разбил этот блог на три части. Первые две части посвящены микрофонам: что слушать, какие практические факторы следует учитывать и как они работают. Третья часть посвящена тем микрофонам на которые были у нас на студии звукозаписи в Спб.
Выбор микрофона — первая возможность для инженера сформировать звук. Хотя позже на этот звук можно повлиять с помощью эквалайзера , сжатия , расширения , временных эффектов или любой комбинации процессов, нет ничего лучше, чем использовать правильный микрофон для правильного инструмента или голоса, записанного таким образом, чтобы для правильного звучания в миксе не требовалось никаких дополнительных манипуляций . Нет никакой иерархии микрофонов — даже самый дешевый сломанный микрофон звучит правильно для некоторых источников, и даже самый чистый и дорогой микрофон тонкой работы просто не очень хорошо работает для некоторых источников звука. Если бы проектирование было таким же простым, как покупка «лучшего» микрофона (или «лучшего» компрессора / эквалайзера / консоли / мониторов / акустической обработки, «лучшего» чего угодно ), я бы просто взял ссуду, купил этот микрофон и получил сотни хитовых записей — и все остальные тоже.
Выбор микрофона на самом деле довольно тонкий, но он не настолько сложен, чтобы быть недоступным. Микрофоны обладают измеримыми звуковыми характеристиками. То, как эти свойства перекрываются и как на них влияют акустические события реального мира, которые вы пытаетесь уловить, определяет характер микрофона и его соответствие определенному источнику.
ЧАСТОТНЫЙ ОТКЛИК
Первое свойство, которым интересуются многие инженеры, — это частотная характеристика микрофона . Вы можете думать об этом как об относительной чувствительности микрофона к разным частотам. Некоторые микрофоны действительно хороши для захвата низких частот, но не очень хороши для захвата самых высоких частот. Некоторые микрофоны наоборот. Представьте, если бы вы знали точный уровень акустического звукового давленияопределенной частоты, воспроизводимой в комнате, и вы измерили уровень электрического выходного сигнала, исходящего от микрофона в этой комнате. Если вы сравните выходной электрический уровень с фактическим акустическим уровнем, воспроизводимым в комнате, у вас будет справочная информация о том, насколько чувствителен микрофон к этой конкретной частоте. Теперь сделайте это для широкого диапазона частот. Если бы вы отобразили всю эту информацию на графике, это выглядело бы примерно так:
Графики частотной характеристики, подобные этим, показывают измеренные результаты процесса, очень похожего на описанный выше. Они сообщают вам, насколько сам микрофон подчеркнет или ослабит определенные частоты в записываемом вами материале. Ни один микрофон не имеет идеально ровной частотной характеристики, что делает некоторые микрофоны более подходящими для определенных источников или условий.
Частотная характеристика, безусловно, важная информация, которую нужно знать при выборе микрофона, но мое личное мнение таково, что люди склонны уделять слишком много внимания этому единственному свойству в ущерб нескольким другим важным свойствам. Возможно, это связано с тем, что частотную характеристику легко понять и визуализировать, и мы сразу можем услышать разницу между двумя микрофонами, которые имеют разные частотные характеристики. Но на самом деле, если бы это был самый важный фактор при выборе микрофона, можно было бы просто использовать эквалайзер, чтобы любой микрофон звучал как любой другой; опыт подсказывает нам, что на самом деле это не так.
ПОЛЯРНЫЙ УЗОР
Еще одно свойство, влияющее на звук микрофона, — это его полярная диаграмма . Вы можете думать о диаграмме направленности микрофона как о карте областей, где микрофон наиболее чувствителен. Другими словами, с каких направлений микрофон усиливает или улавливает звук, и с каких направлений микрофон ослабляет или отклоняет звук? Вы, вероятно, столкнетесь с тремя основными полярными диаграммами: всенаправленная , двунаправленная и кардиоидная .Всенаправленные (или «всенаправленные») микрофоны более или менее одинаково чувствительны к звуку, исходящему с любого направления. Неважно, идет ли звук спереди, сзади, по бокам, сверху или снизу, он будет захвачен с таким же уровнем, как если бы он шел с любого другого направления. Двунаправленные (или «восьмерки») микрофоны более или менее улавливают звук только спереди и сзади и более или менее отклоняют звук сбоку, сверху и снизу. Кардиоидные микрофоны более или менее улавливают звук только спереди и более или менее отклоняют звук с боков и сзади. Если бы вы измерили чувствительность микрофона к звуку с разных сторон и затем отобразили это графически, это выглядело бы примерно так:
Как видно из графиков, диаграммы направленности — это не кирпичные стены отклонения, а постепенные кривые с расширяющимися формами — отсюда и слово «более или менее» в приведенных выше описаниях. Есть несколько промежуточных диаграмм направленности, которые также полезны , но не так часто, как три упомянутых выше. Субкардиоид находится между всенаправленным и кардиоидным — он в основном всенаправленный, но немного более чувствителен спереди, чем сзади. Суперкардиоидный и гиперкардиоидный микрофоны находятся между кардиоидными и двунаправленными — они лучше фокусируются на самой середине передней части и отклоняют звук с боковых и фронтальных сторон, чем кардиоидные микрофоны, но в результате у них возникают небольшие вспышки чувствительности в задней части.
Важно помнить, что диаграммы направленности предназначены для отображения направления чувствительности, а не периметра, за пределами которого звук отклоняется. Кардиоидный микрофон по-прежнему будет улавливать звук сзади, но этот звук будет значительно тише, чем звук, идущий через переднюю часть микрофона. Еще одна важная концепция при интерпретации диаграмм полярных диаграмм — помнить, что диаграмма отображает информацию в двухмерной плоскости, но микрофоны улавливают звук в трех измерениях , например:
ЧАСТОТА ВНЕОСИ
Если вы объедините два уже обсуждавшихся свойства — частотную характеристику и диаграмму направленности, вы начнете замечать еще одну важную характеристику микрофонов — частотную характеристику вне оси. Хотя направляющие диаграммы направленности полезны, наличие сплошной линии, которая достоверно сообщает вам, где этот микрофон будет снимать, а где он будет отклоняться, является большим упрощением. На самом деле большинство микрофонов демонстрируют разные диаграммы направленности на разных частотах, обычно действуя более «всенаправленно» для низких частот и более резко направленно для высоких частот. Часто для высоких частот диаграмма направленности может превращаться в сложные диаграммы взрыва с многочисленными лепестками захвата и отклонения.
Это сложно, потому что это физика. На практике это означает, что когда вы путешествуете вокруг микрофона, его частотная характеристика может резко измениться. Иногда внеосевая частотная характеристика микрофона гладкая и очень похожа на ее частотную характеристику на оси. Иногда звучание острое и резкое, иногда сбалансированное, но приглушенное. Обычно эти аномалии преувеличиваются по мере удаления от «нормального» осевого угла. Внеосевой частотный диапазон наиболее важен при одновременной записи группы живых музыкантов в комнате или при использовании нескольких микрофонов на сложном инструменте, таком как ударная установка, потому что даже при использовании высоконаправленных микрофонов будет кровотечение. от других инструментов / голосов / произведений ударной установки. Это кровотечение будет зависеть от частотной характеристики вне оси.
Иногда это означает, что вам нужен плавный внеосевой частотный отклик, чтобы нарезка и прямой звук усиливали друг друга. Иногда вам требуется внеосевой отклик с резким спадом высоких частот, чтобы было небольшое перекрытие между внеосевым выходом и прямым звуком. Дело не столько в том, какая внеосевая частотная характеристика является «лучшей», сколько в том, что лучше всего сочетается со всеми другими микрофонами в этой конкретной ситуации. Иногда микрофон может превосходно звучать, например, на рэковом томе, но когда вы комбинируете его с накладными микрофонами, звук тарелок становится резким или странным. Соло накладные, и они звучат нормально, соло рэкового тома, и он звучит нормально, проблема заключается в том, что внеосевой звук тарелки просачивается в микрофон рэкового тома, и гребенчатая фильтрация возникает, когда вы смешиваете его с накладными микрофонами. И все это указывает на ключевой фактор при выборе микрофона для определенного элемента записи — дело не всегда в том, чтобы эта вещь звучала настолько хорошо, насколько это возможно. Часто цель состоит в том, чтобы заранее представить, как звук от всех разных микрофонов будет сливаться в единое целое. Теперь учитывайте запись всего ансамбля или попытку записать целую группу в комнате, которая действительно слишком мала, и становится очень о чем беспокоиться! цель состоит в том, чтобы заранее представить, как звук от всех разных микрофонов будет сливаться в единое целое. Теперь учитывайте запись всего ансамбля или попытку записать целую группу в комнате, которая действительно слишком мала, и становится очень о чем беспокоиться! цель состоит в том, чтобы заранее представить, как звук от всех разных микрофонов будет сливаться в единое целое. Теперь учитывайте запись всего ансамбля или попытку записать целую группу в комнате, которая действительно слишком мала, и становится очень о чем беспокоиться!
Также стоит отметить, что вы можете специально воспользоваться внеосевой частотной характеристикой микрофона; Многие люди заметят, например, когда микрофон гитарного усилителя направлен прямо на динамик, иногда может неестественно акцентировать высокие частоты, делая звук резким и пронзительным. Если это произойдет, попробуйте немного повернуть микрофон в сторону, чтобы внеосевой отклик микрофона снизился на некоторых из этих высоких частот.
ЭФФЕКТ БЛИЗОСТИ
Еще одно важное свойство, которое следует учитывать, обусловленное диаграммой направленности микрофона, — это его эффект близости.Легкое определение эффекта близости состоит в том, что иногда, когда вы помещаете микрофон очень близко к объекту, наблюдается значительное увеличение низких частот. Как правило, всенаправленные микрофоны не проявляют эффекта близости, и чем более направлен микрофон, тем сильнее эффект близости. Это не всегда плохо! Это просто еще один фактор, о котором следует помнить при выборе микрофона и места его установки. Вы можете специально использовать эффект близости, чтобы сделать звук более тусклым. Некоторые микрофоны даже спроектированы так, чтобы звучать немного тонко при дистанционном микрофоне, так что при близком микрофоне эффект близости заполняет спектр и звучит сбалансировано. Некоторые микрофоны демонстрируют больший эффект близости, чем другие, или на разных расстояниях, или в разных диапазонах низких и низких и средних частот.
ПЕРЕХОДНЫЙ ОТВЕТ
Часто упускаемый из виду аспект звука микрофона, который, на мой взгляд, является одним из самых важных, — это переходная характеристика микрофона.. Переходный отклик — это то, насколько быстро или медленно микрофон реагирует на начало звука. Первая реакция может состоять в том, чтобы настаивать на том, что более быстрый переходный отклик всегда лучше, но это не обязательно так. Из-за слишком быстрой переходной характеристики некоторые источники могут казаться резкими или хрупкими, даже если высокочастотного контента не так много. Однако из-за слишком медленной переходной характеристики некоторые источники могут казаться тусклыми или приглушенными, даже если присутствует большое количество высокочастотного контента. С переходной характеристикой связано явление, называемое «перерегулирование», при котором микрофон может иметь слишком быструю переходную характеристику, которая затем приводит к слишком сильному отрыву диафрагмы. Это может проявляться в виде небольшого звонка или искажения во время тяжелых переходных процессов. что на самом деле имеет эффект размытия переходного процесса, а не его усиления. Это, как правило, больше проблема с самыми громкими переходными процессами, чем с тихими. Поэтому, когда дело доходит до переходных процессов, быстрый переходный отклик может сделать исходный звук более прямолинейным или интимным, но чем больше, тем лучше. И имейте в виду, что важным фактором является не только переходная характеристика объекта, на который вы направляете микрофон, но и то, как это сочетается со всеми другими звуками от всех других микрофонов. Часто я выбираю микрофоны с более медленными переходными характеристиками для элементов, которые должны звучать дальше на фоне микса, и микрофоны с более быстрыми переходными характеристиками для элементов, которые должны выделяться и привлекать внимание слушателя. быстрый переходный отклик может сделать исходный звук более откровенным или интимным, но чем больше, тем лучше. И имейте в виду, что важным фактором является не только переходная характеристика объекта, на который вы направляете микрофон, но и то, как это сочетается со всеми другими звуками от всех других микрофонов. Часто я выбираю микрофоны с более медленными переходными характеристиками для элементов, которые должны звучать дальше на фоне микса, и микрофоны с более быстрыми переходными характеристиками для элементов, которые должны выделяться и привлекать внимание слушателя. быстрый переходный отклик может сделать исходный звук более откровенным или интимным, но чем больше, тем лучше. И имейте в виду, что важным фактором является не только переходная характеристика объекта, на который вы направляете микрофон, но и то, как это сочетается со всеми другими звуками от всех других микрофонов. Часто я выбираю микрофоны с более медленными переходными характеристиками для элементов, которые должны звучать дальше на фоне микса, и микрофоны с более быстрыми переходными характеристиками для элементов, которые должны выделяться и привлекать внимание слушателя.
Это некоторые характеристики, которые следует учитывать при оценке микрофона. Прочтите следующий блог, чтобы узнать о некоторых практических соображениях, которые вам, возможно, придется учесть.
Кроме того, это отличный ресурс для тех, кто пытается понять, что и как использовать параметрический эквалайзер после того, как они выбрали микрофон и готовы записывать и микшировать:
Выбрав микрофон, вы также можете ознакомиться с этой отличной статьей, которая поможет вам выбрать аудиоинтерфейс для начинающих.
