Автор: Crimex

Довольно часто на студиях звукозаписи к каждому треку добавляется фильтр высоких частот (он же низкочастотный фильтр), что позволяет добиваться более четкого и яркого звучания, делая исключение только для бас-барабана и иногда бас-гитары.

Обычно этот фильтр начинается примерно с 30/40 Гц и имеет наклон около 12 дБ/октаву, охватывая полосу «чрезвычайно низких частот». С некоторыми типами инструментов вы можете резать даже с 60/70 Гц, но в целом это выглядит так, как показано на рисунке ниже.

Тем не менее, недавно я видел несколько онлайн-дискуссий с людьми, заявляющими, что им не нравится это делать, и что они намеренно записывают и оставляют очень низкие частоты на всех треках (или что-то в этом роде). За этим быстро последовали ободряющие комментарии со стороны других, заявляющих, что «это хорошо» и «в музыке нет правил» и так далее.

Как бы ни ценилось мнение дилетантов, реальность такова, что нет: это нехорошо. Совсем не хорошо.

Не сокращать низкие частоты в большинстве дорожек — очень плохая идея, и если вы хотите знать, почему, вам просто нужно читать дальше. Теперь дисклеймер: я знаю, что большинство этих идей исходят из искреннего интереса к попыткам создать что-то новое и оригинальное и/или улучшить свою музыку. Намерение хорошее.

В нашем стремлении к оригинальности вполне естественно видеть, как все что-то делают, и думать: «А что, если я сделаю что-то другое?». Говорят, что правила созданы для того, чтобы их нарушать, и в музыке больше, чем в других областях, не так ли? Правила и есть правила.

Некоторые «правила» являются условностями, соглашениями, традициями и могут быть проигнорированы и нарушены во имя оригинальности и новаторства. Нужно ли ставить припев после куплета? Нет. Нужен ли мне припев? Нет. Нужно ли использовать одни и те же звуки на протяжении всей песни? Конечно, нет! Эти «правила», безусловно, могут быть нарушены, и на самом деле они, как правило, определяют определенный музыкальный период. Каждое новое поколение создателей музыки почти всегда стремится сломать их во имя инноваций. Другие правила — это просто вещи, которые работают, потому что они с большей вероятностью понравятся обычной аудитории, независимо от времени, или просто полезны для общества. Петь в такт и играть в такт редко выходит из моды (несмотря на The Shaggs); Игра случайных нот редко приносит успех (это, конечно, было опробовано, но рынок додекафонной музыки никогда не был таким огромным, и даже у них есть правила, это не просто случайные ноты). Уважительное отношение к светофорам позволяет выжить большему количеству людей, чем в противном случае. Эти «правила» можно нарушить, но результат обычно не такой заметный. Наконец, другие правила очень похожи на физику – мы называем что-то «законом», но не можем решить его нарушить. Возьмем, к примеру, гравитацию. Применение принципа «нет никаких правил» немного похоже на решение прыгнуть со скалы, размахивая руками и ожидая, что вы взлетите: это неизбежно заканчивается беспорядком, и часто это приводит к смерти. Идея «низкочастотного кроя» прочно относится к этой последней категории. Это не условность и не художественное решение – оно порождено физикой.

Основная причина очень проста: у большинства инструментов в нижнем диапазоне просто нет никакого музыкального содержания (во всяком случае человек его не слышит). Например, гитара или вокальная партия (оба «инструменты» среднего диапазона) в хороший день не будут звучать ниже, скажем, 50-70 Гц. В диапазоне 0–40 Гц нет ничего значимого.

Хуже того, все, что там происходит, совершенно случайно и часто зависит просто от того, где и когда вы записали свой дубль. Почему? Потому что звуки от 0 до 30-40 Гц – это в действительности вибрация.

Хотя мы можем это воспринимать, в большинстве случаев мы этого не слышим: это больше ощущается в груди как толчок (это воздух, который движется басовым усилителем мощностью 600 Вт на полную, и это много воздуха).

И что это такое, что вибрирует так низко?

Обычно это не имеет ничего общего с тем, что вы записываете: грохот грузовика, проезжающего по дороге неподалеку, метро, ​​кто-то идет по улице, завод в паре миль отсюда и так далее. Как мы знаем, низкочастотные звуковые волны очень длинные и всенаправленные. Такие длинные волны могут распространяться издалека (мы говорим о милях/километрах). Более того, они могут (и будут) без особых проблем проникнуть в вашу комнату записи/микширования, если только у вас нет специально построенной комнаты в комнате, которая полностью отделена от внешней оболочки, а это сложно и очень дорого сделать. Таким образом, если вы не обрежете очень низкие частоты во время записи или микширования, вы просто добавите к своим трекам случайный грохот — из-за какого-то грузовика, который случайно проезжал мимо вашего дома.

Хуже того, этот шум будет довольно громким по сравнению с музыкальным сигналом (поскольку в этом диапазоне частот вообще нет музыкального сигнала).

Исключение составляют немногие инструменты, которые действительно имеют значимое музыкальное содержание в этой очень низкой полосе: бочка, бас-гитара и тому подобное.

Для них соотношение сигнал/шум между, скажем, реальным ударом кика и случайным топотом пешехода за пределами студии будет высоким.

Это означает, что внешний грохот, как правило, не будет иметь значения, почти так же, как фоновый шум не имеет значения в хорошо сделанной записи: он есть, но слишком тихий, чтобы на что-то влиять. барабан или тяжелая басовая партия: вы хотите, чтобы слушатель почувствовал внезапное давление в груди – при условии, конечно, что его система воспроизведения может это обеспечить. Потому что это имеет музыкальный смысл.

Помимо этой основной причины, есть множество других технических аспектов, которые имеют большое значение для ваших миксов. Помните, что отличный микс — это просто сумма множества хороших маленьких решений, тогда как плохой микс — это полная противоположность. Каждый элемент крошечный, но в сумме они дают большую разницу. Давайте посмотрим на некоторые из них.

Когда вы сводите, у вас есть ограниченное пространство для обработки сигнала, называемое запасом по мощности.

Даже при современной 24-битной записи и безумном динамическом диапазоне, которое она обеспечивает, это пространство все еще очень ограничено. Вам нужно это пространство, чтобы вы могли работать над каждым треком, не искажая сигнал, что на практике означает выход за пределы напряжения, которое может выдержать устройство. Каждый трек в миксе суммируется, постепенно потребляя все больше и больше энергии. это пространство при добавлении треков; ваш запас мощности уменьшается с каждым добавленным треком, пока — при условии, что у вас хорошая структура усиления — микс перед мастером не достигнет пика где-то -6dbFS или что-то в этом роде. Поскольку каждый звук можно рассматривать как сложную волну давления с течением времени, «сложение» означает суммирование волн – то есть интерференцию. Эти волны, как правило, не коррелированы – это означает, что в один и тот же промежуток времени различные части волн с разных треков будут иметь разную форму и «точки» в разных направлениях.

Вот почему, когда вы добавляете в микс гитару, средний уровень которой составляет -18 дБ полной шкалы на ее собственном канале, вы на самом деле не видите, что ваш измеритель Мастер шины увеличивается на 18 дБ полной шкалы. Тем не менее, низкие частоты обладают наибольшей, скажем так, «мощностью», то есть они съедают больше всего запаса мощности. Причина в том, что низкая частота означает большую длину волны и большую амплитуду, что, в свою очередь, означает перемещение огромного объема воздуха. Чтобы его переместить, вам нужна большая мощность. Именно по этой причине ваш гитарный усилитель имеет мощность, скажем, 100 Вт, в то время как усилитель для бас-гитары должен иметь мощность не менее 500 Вт, чтобы его можно было услышать на той же сцене. Басовый усилитель должен работать гораздо усерднее, потому что ему приходится перемещать гораздо больше воздуха, чем гитарному, который излучает средние частоты. Конечным результатом всего этого является то, что если вы оставите весь этот низкочастотный грохот для каждого трека, который музыкальное значение, вы будете использовать гораздо больше запаса, чем в противном случае — это означает, что вы не сможете использовать этот запас для вещей, имеющих музыкальное значение (например, это прекрасное усиление вашего гитарного соло).

Ты этого не слышишь

Хуже того, вы обычно даже не догадываетесь, что это происходит. Причина просто в том, что большинство мониторов ближнего поля (даже хороших) не могут сколько-нибудь осмысленно воспроизводить такие низкие частоты. В результате вы увидите потерю запаса на своих измерителях, но не услышите этого – и вам часто будет трудно понять, почему. Конечно, есть сабвуферы, но для использования сабвуфера вам нужна действительно хорошая комната (иначе басы полностью исказят звук в комнате, прежде чем вы услышите грохот). Более того, даже если у вас есть сабвуфер или даже «основные» студийные мониторы (эти огромные громкие штуки, встроенные в стену большой студии перед вами, за большой консолью со всеми красивыми огнями), вам нужно будет взорвать их, чтобы почувствовать гул.

Если вы что-нибудь знаете о сведении, вы знаете, что в основном мы хотим сводить на разговорном уровне громкости. Так что, даже имея такое оборудование и такое пространство, шансы, что вы заметите проблемы низких частот, невелики.

Это делает ваш трек тише (да, в LUFS)

Мы видели, что большинство ваших треков не будут иметь ничего значимого на самых низких частотах.

И мы видели, что если вы не срежете это, каждый раз, когда вы сводите трек, грохот ненужных низких будет суммироваться, съедая огромное количество запаса по мощности без всякой причины.

Интересным эффектом этого факта является то, что вы получите микс, который имеет очень высокие пики по всей гамме, но звучит очень тихо — потому что большая часть запаса мощности используется тем низкочастотным шумом, который вы не слышите.

По тем же причинам, если вы оставите низкие частоты на каждом треке, есть вероятность, что правильные системы воспроизведения не смогут воспроизводить ваш микс очень громко или, по крайней мере, так же громко, как конкуренты. Причина снова проста: предположим, что система воспроизведения может воспроизводить низкие басы. Если в вашей песне много низкочастотного контента, усилители потратят на это большую часть своей мощности, и вы заставите динамики работать очень усердно… не воспроизведя ничего полезного. Это означает, что когда придет очередь вашего трека для воспроизведения, при том же положении ручки громкости он будет звучать гораздо менее громко, чем другие. Опять же, это трудно обнаружить даже с помощью хорошей студийной установки, просто потому, что эта установка (и комната, в которой она установлена) обычно может неправильно воспроизвести этот низкий бас, маскируя проблему.

Это может заставить вашу аудиторию сказать «WTF».

И даже если эта система для стадиона или клуба чрезвычайно мощная (и, таким образом, может просто воспроизводить ваш микс с мощностью, скажем, 70%, тогда как хорошим системам требуется только 50%), в результате зрители внезапно услышат давление в груди на совершенно неправильный момент… потому что грохот, который вы оставили, является случайным и совершенно не коррелирует с играющей музыкой. Даже если они этого не осознают, у них возникает очень странное ощущение, что что-то не так.

А как насчет мастеринга, спросите вы?

Мастеринг-инженер, достойный этого звания, обязательно отрежет эту чушь, если она будет чрезмерной (конечно, при условии, что «мастеринг-инженер» — это не парень с аналоговым трекбоксом и ноутбуком — или просто ноутбуком). Но: при этом инженеру обязательно придется вырезать также бочку, бас или что-нибудь еще, что может быть там, потому что он не имеет доступа к трекам.

И вы все равно сделаете микс, в котором у вас будет гораздо меньше места для микширования, чем могло бы быть. Итак, как всегда, почему бы не исправить это во время записи или, что еще хуже, в миксе?

Но, но… если я сделаю хай-пасс, не испорчу ли я нижний диапазон?

Иногда в этом водовороте мифов и знаний, которым является Интернет, вы найдете людей, которые без сомнения заявляют, что, если вы отфильтруете низкие частоты у своих треков, вы «повредите нижний диапазон».

Что бы это ни значило. Среди них те, кто любит использовать громкие слова для показухи, также упомянут такие вещи, как «фазовый сдвиг», а иногда даже «линейный фазовый эквалайзер». Если вы проследили вышеизложенное, вы поймете, что эта идея , мягко говоря, не верная.

Причина по которой на большинстве треков нужно применять хай пасс фильтр заключается в том, что у большинства инструментов нет никакой нужной информации в низких частотах.

Оставьте бочку (и бас) в покое, и все будет в порядке.

Учитывая все вышесказанное, теперь должно быть ясно, что большинство треков должны быть пропущены через хайпасс, чтобы сохранить только соответствующее музыкальное содержание и избавиться от низкочастотного шума. Однако следует ли использовать фильтр высоких частот на этапе записи или при микшировании? Если вы проследили вышеизложенное, ответ снова прост: многие из тех же проблем с запасом мощности, которые вы обнаруживаете при микшировании, присутствуют и при записи.

Только вместо микшерной шины будет потрачен впустую запас по входному каскаду микрофона. Чтобы избежать этого, многие микрофоны оснащены встроенным переключаемым фильтром верхних частот: он устроен таким образом, что при включенном фильтре входной каскад не «слышит» грохот и пропускает музыкальную часть звука. Этот переключатель — ваш лучший друг, и почти всегда его использование — разумный поступок.

Обычное исключение — если вы записываете бочку или бас-кабинет — и микрофон может выдержать мощность без искажений (в противном случае вы используете неправильный микрофон). Однако, если вы не уверены, каким был сигнал записан или у вашего микрофона нет фильтра верхних частот, лучше всего сначала добавить его при компоновке треков для финального сведения.

Так что, нарушим правила?

Вот почему общие утверждения типа «трудно установить жесткие правила для чего-либо в музыке» совершенно неверны. Они просто показывают, что человек на самом деле не понимает, что происходит – по крайней мере, на том уровне, когда это влияет на принятие решений. Некоторые правила можно нарушать. Другие подобны гравитации — они просто присущи тому, как обстоят дела в физическом мире (а звук — это во многом физическая сущность). Так что в следующий раз обязательно напишите песню в три припева и два дропа, или с перевернутыми словами, или расставив диссонансные аккорды в нужном месте, да что угодно… и, возможно, у вас получится оригинальная музыка и даже хит.

Но ради всего святого, поставьте хайпасс на все треки, которые в этом нуждаются! Удачной записи!

Когда новая группа начинает осваивать музыкальную индустрию, может возникнуть соблазн действовать в одиночку, записывая и выпуская всю свою музыку без участия продюсеров и лейблов. Не имея оборудования и средств, необходимых для профессиональной обработки вашей музыки, многие артисты рады выразить себя, используя небольшую и недорогую записывающую установку, а затем выпускают свои домашние записи через стриминговые сервисы. 

Это «инди» путь!

Этот подход «сделай сам», безусловно, является жизнеспособным вариантом, и он хорошо работает для артистов всех мастей – часто с большим успехом! Но вы должны знать, что на этом ваши возможности не заканчиваются. Вы можете обнаружить, что обращение к услугам опытного продюсера и студии звукозаписи — это именно то, что вам нужно, чтобы вывести свою музыку на новый уровень. Действительно, помимо своих технических возможностей, продюсеры, скорее всего, подойдут к вашему материалу, имея многолетний, а зачастую и десятилетний опыт. Сегодня многие группы, которые ранее сделали себе имя «под флагом инди», обнаруживают, что не могут жить без своих продюсеров! Давайте рассмотрим некоторые причины, по которым ваша группа также может воспользоваться услугами продюсера.
 

ДРУГАЯ ПАРА УШЕЙ

Для артиста создание музыки — это долгий и затяжной процесс написания, переписывания, репетиций, записи, редактирования и мастеринга. Когда ваша группа проводит так много времени только с одной песней, они с большей вероятностью упускают из виду общую картину. Мелкие детали музыки могут раздражать вас целыми днями. Вы можете даже перестать любить песню просто из-за разочарования. Когда вы изо всех сил пытаетесь увидеть лес за деревьями, продюсер может стать вашим спасением.

Когда они слушают одну из ваших песен, они слышат ее не только опытными ушами, но и незнакомыми ушами. Они услышат о проблемах, которые вы, возможно, не заметили, потому что были слишком близко. Возможно, можно было бы улучшить структуру песни. Продюсер будет слышать вашу музыку иначе, чем вы, что неоценимо при записи. Но речь идет не только о выявлении негативов – продюсеры помогут группе выявить свои сильные стороны и сосредоточиться на них, раскрывая лучшее в своей музыкальности так, как группа никогда не смогла бы в одиночку.
 

НЕМНОГО СТУДИЙНОГО КАЧЕСТВА

Один из способов, с помощью которого продюсеры могут подчеркнуть сильные стороны вашего музыкального мастерства, — это придать вашим песням уникальное и высококачественное звучание. Иметь профессиональное оборудование – это одно, а уметь использовать его творчески и выразительно – совсем другое. Это требует многолетнего опыта – опыта, который есть только у продюсеров. Продюсер может применить свои знания и технические ноу-хау к вашей музыке. Они будут знать, какие микрофоны лучше всего подходят для вашего вокала, какие эффекты лучше всего подойдут к вашим инструментам и какие гитарные партии требуют наложения. Ваши барабаны будут иметь пространство для дыхания, прекрасно сидят в миксе, а не подавляют его.

В целом, группы смогут гораздо точнее запечатлеть и представить свою музыку с помощью продюсера, который сможет извлечь из их музыки максимум пользы. Они также смогут больше сосредоточиться на музыке, когда продюсер уже осветил техническую сторону дела – как указано выше, зацикливание на более мелких деталях, таких как особенности гитарного тона или эквалайзер на малом барабане, может в конечном итоге отвлечь от самой песни . Хороший продюсер позаботится об оборудовании и звукорежиссуре, одновременно побуждая группу задуматься о более нематериальных аспектах записи.
 

ВКУС ИНДУСТРИИ

Для независимых групп, впервые пришедших в игру, приглашение продюсера помочь в записи вашего материала может послужить введением в музыкальную индустрию в целом. Вы можете начать чувствовать себя аутсайдером, когда вам придется записывать и выпускать музыку исключительно на своих условиях. 

Более того, нравится вам это или нет, наличие продюсера на вашей пластинке служит своего рода подтверждением того дополнительного качества, которое он может предложить. Они могут придать вашей музыке дополнительное преимущество, упрощая ее продвижение и распространение среди более широкой аудитории. Таким образом, продюсеры могут стать неоценимым активом с точки зрения вашей музыкальной карьеры, особенно для тех, кто хочет зарабатывать на жизнь своей группой. Хотя в домашних записях и самостоятельных релизах, конечно, есть определенное очарование, они могут не сослужить вам хорошую службу, когда дело доходит до заключения контракта на запись или бронирования площадок для выступлений. Каждому нужно с чего-то начинать, но и куда-то нужно идти !
 

ОЩУЩЕНИЕ УЛУЧШЕНИЯ

Понятно, что многие группы опасаются, что продюсер помешает их творческой индивидуальности. Когда вы цените свою независимость как группы и, возможно, даже предпочитаете делать все самостоятельно, привлечение продюсера к работе может показаться ненужным или контрпродуктивным. Однако такие сомнения часто основаны на заблуждении, что продюсеры возьмут на себя вашу музыку и попытаются сделать все от вашего имени, тогда как на самом деле их цель — просто помочь вашему творчеству, давая вашей группе ощущение улучшения, наполняя музыку качеством, которого она заслуживает.

Продюсер постарается помочь вашей музыке вписаться в более широкую эстетику и создать целостный вид. Теперь они будут очень осторожны, чтобы помешать выразительной цели или творческому посланию, которое ваша группа пытается передать через музыку. Хотя они высказывают свое мнение о лучшем оборудовании и качестве звука, именно группа всегда будет контролировать направление своей музыки. По большей части они не будут пытаться оставить свой след в вашей работе и не будут использовать ее в своих целях. Хорошие продюсеры не только не навязывают вашей группе, они всегда знают, когда нужно сделать шаг назад и позволить группе делать свое дело.

Если вы музыкальный исполнитель, начинающий строить имя на живых выступлениях, то, возможно, пришло время выпустить несколько композиций. Прежде чем отправиться в студию и записать тот дебютный шедевр, который вы раскручивали в загруженных пабах и клубах по всей стране, важно знать, каким образом наиболее эффективно выпустить музыку.

В этой статье мы рассмотрим синглы, микстейпы, ЕР и альбомы, сравнивая их различия и преимущества, чтобы вы могли определить, какой формат наиболее подходит для релиза вашей работы.

СТОИТ ЛИ МНЕ ПУБЛИКОВАТЬ СИНГЛ, МИКСТЕЙП, ЕР ИЛИ АЛЬБОМ?
Первый вопрос, который вам следует задать себе, — какой тип релиза поможет вам создать фан-базу. Этот вопрос кажется простым, но есть различные факторы, которые следует учесть: как ваши потенциальные поклонники могут обнаружить новую музыку? Как они скорее всего будут делиться ею с друзьями? Будут ли они покупать товары с символикой или билеты на концерты, чтобы отметить релиз новой музыки?

Также важно учесть, в какой точке вашей музыкальной карьеры вы находитесь, что мы рассмотрим в течение этой статьи. Также стоит учесть жанр, например, хип-хоп-исполнители могут быстро записывать микстейпы, в то время как амбиентные электронные исполнители могут вообще пропустить синглы.

В конечном итоге это вопрос цели. Поэтому в этой статье мы упомянем некоторые основные назначения синглов, микстейпов, ЕР и альбомов, чтобы вы могли определить, в каком формате лучше всего начать вашу карьеру.

ЧТО ТАКОЕ ЕР?
ЕР (сокращение от «extended play») можно рассматривать как мини-альбом. Обычно он состоит из 4-6 треков, которые демонстрируют ваш спектр музыкальных стилей. Его необязательно делать таким же связанным, как альбом, но он должен сложиться в качественный музыкальный опыт для слушателей. Если ваш релиз содержит от четырех до шести треков (с общей продолжительностью 30 минут) или от одного до трех треков, если хотя бы один из них не менее 10 минут, а общая продолжительность не превышает 30 минут, iTunes будет классифицировать его как ЕР. Spotify также определяет ЕР как общую продолжительность не более 30 минут, но требует наличия от четырех до шести треков.

КАКОВА РАЗНИЦА МЕЖДУ ЕП И АЛЬБОМОМ?
Помимо меньшей продолжительности, ЕП не обязательно требует единого тематического уклона. Они обычно выпускаются для продвижения ваших лучших треков, чтобы привлечь интерес к альбому или другому музыкальному проекту. Если вы надеетесь привлечь аудиторию, ваше ЕП может привлечь внимание людей, которые ищут новую музыку для наслаждения, и поскольку производство дешевле, выпуск ЕП является менее рискованным, чем выпуск альбома.

ЧТО ТАКОЕ МИКСТЕЙП И ПОЧЕМУ ВЫ ХОТЕЛИ БЫ ПУБЛИКОВАТЬ ЕГО?
Раньше записывая песни с радио на кассету, поклонники музыки получали возможность слушать свои любимые треки бесплатно. Люди часто делились микстейпами с друзьями, и хотя это был вид пиратства, это помогало группам увеличить осведомленность и интерес.

Впоследствии хип-хоп-исполнители и рэперы начали создавать микстейпы, заимствуя треки у других исполнителей и добавляя свою изюминку. Лил Уэйн был одним из исполнителей, которые использовали микстейпы, чтобы подняться на вершину славы. Хотя поклонники музыки продолжают создавать свои собственные микстейпы, артисты используют их, чтобы создать компиляцию песен или сотрудничать с другими исполнителями своего сообщества.

Однако у аудитории есть одно конкретное ожидание, когда дело касается микстейпов: они либо бесплатны, либо намного дешевле, чем альбомы, и чаще всего они просто бесплатны.

ЗАЧЕМ ТЕБЕ ДЕЛАТЬ МИКСТЕЙП?

Когда вы выпускаете микстейп, вы делаете это потому, что хотите, чтобы люди слушали вашу музыку. Если им это понравится, они будут готовы купить альбом или билеты, когда вы будете в туре. Вы также можете надеяться, что ваш микстейп привлечет внимание звукозаписывающей компании. 

Создание микстейпа должно быть дешевым. Распространить его довольно легко, и вы, вероятно, сделаете это самостоятельно, используя различные онлайн-платформы, такие как Вконтакте или даже Тик Ток. Микстейпы позволяют вам продемонстрировать весь свой творческий диапазон, а также наиболее заметные влияния, на которые вы оказали влияние. Однако остерегайтесь нарушения авторских прав. Если вы «заимствуете» треки, убедитесь, что у вас есть на это разрешение. У фронтмена Eagles Дона Хенли было немало публичных ссор с Фрэнком Оушеном, когда тот попробовал записать культовый трек «Hotel California» для своего получившего признание критиков микстейпа «Nostalgia, Ultra».

В ЧЕМ РАЗНИЦА МЕЖДУ МИКСТЕЙПАМИ И АЛЬБОМАМИ?

Разницу между микстейпами и альбомами может быть трудно заметить, потому что микстейпы не всегда настолько «смешаны», как можно было бы ожидать. Например, хотя в старом микстейпе участвовали разные исполнители, теперь микстейпы выпускают и сольные исполнители. Однако в целом они выпускаются дешево, предлагаются бесплатно и не обязательно содержат логичный набор треков.

Высшая выгода? Повышение! Независимо от того, являетесь ли вы уже известным человеком и хотите привлечь больше внимания или находитесь на начальной стадии своей музыкальной карьеры, микстейп может стать мощным инструментом. 

ЧТО ТАКОЕ СИНГЛЫ И В ЧЕМ ИХ ПРЕИМУЩЕСТВА?

Раньше, когда каждый новый релиз был виниловой пластинкой, сингл представлял собой небольшую пластинку, состоящую всего из двух треков. Сегодня определение варьируется в зависимости от выбранной вами платформы: 

• Согласно TuneCore, сингл состоит из одного трека, что кажется логичным, но это не единственный способ определения этого формата.
• В iTunes сингл может состоять из трех треков и иметь продолжительность воспроизведения не более 30 минут, при этом ни один из треков не превышает 10 минут. Чтобы купить один трек в iTunes, меломаны платят всего 82 пенса (намного ниже, чем цена альбома), так что вы с большей вероятностью привлечете потенциальных фанатов, которые пробуют почву.
• Spotify определяет сингл почти так же, как iTunes. В нем указано, что релиз имеет продолжительность прослушивания не более 30 минут и состоит не более чем из 3-х треков. Однако продолжительность любого трека не ограничена 10 минутами.

Выпуск сингла имеет множество преимуществ. Во-первых, вы выпустите его намного быстрее, чем альбом или EP. Это также означает более быструю обратную связь. Даете ли вы своей аудитории то, что она хочет, или вам следует попробовать другой подход? Степень энтузиазма, с которым будет встречен ваш сингл, даст вам ответы. Риск невелик – определенно ниже, чем был бы для альбома или EP.  

В синглах представлены ваши самые лучшие треки, так что это возможность проявить себя с лучшей стороны. Если ваш сингл завоевал у вас аудиторию, вы можете поддерживать интерес людей, выпуская больше синглов в течение определенного периода времени. Если вы работаете над альбомом или EP, вы знаете, что это большой и трудоемкий проект. Держите своих поклонников в курсе вашей музыки и стремитесь увидеть, что вы будете делать дальше, предлагая им синглы. Тем временем вы собираете ценную информацию о том, что нравится вашему рынку.

ЧТО ТАКОЕ АЛЬБОМ И ПОЧЕМУ ОН ВАЖЕН ДЛЯ МУЗЫКАНТОВ?

Начнем с определения альбома. Несколько десятилетий назад это была бы виниловая пластинка. Сегодня это будет компакт-диск или онлайн-релиз, соответствующий определенным критериям. 

Если вы выпустите альбом на TuneCore, он будет состоять из двух и более треков, максимум 100 треков и продолжительностью не более 2,5 часов. При выборе iTunes платформа ожидает, что в вашем альбоме будет либо шесть или более треков, либо продолжительность воспроизведения более 30 минут.

По сути, альбом — это большой проект, созданный для передачи объединяющей темы или послания. Добьетесь успеха, и престиж будет высок. Потерпите неудачу, и вы не сможете вернуть все, что вложили.

ЗАЧЕМ ВЫПУСКАТЬ АЛЬБОМ?

Прежде чем мы перейдем к преимуществам выпуска альбома, нам нужно внимательно и внимательно взглянуть на недостатки. Продажи альбомов стабильно падают на протяжении последних 8 лет. Несмотря на недавний всплеск популярности BTS и усилий Адель и Тейлор Свифт, 83% доходов музыкальной индустрии приходится на потоковые сервисы. И даже крупнейшие представители музыкальной индустрии фиксируют неутешительные продажи альбомов. Вот почему многие инсайдеры рекомендуют частые выпуски синглов, EP и микстейпов вместо огромных усилий, потраченных на альбом.

Это не значит, что вам не следует записывать альбом, но это означает, что вам следует проявлять осторожность, прежде чем вкладывать все свое сердце и душу в рискованный проект. Если у вас большая аудитория и преданные поклонники готовы раскупить ваши последние релизы, создание альбома может быть разумным шагом. В конце концов, это позволяет вам сделать широкое художественное заявление, в котором вы сможете продемонстрировать свое развитие как артиста. А поскольку у вас есть целый альбом, вам будет легче продемонстрировать глубину своего таланта в различных треках.

С другой стороны, у вас есть один релиз: альбом. Разделите это на синглы, и вы будете чаще обращаться к своей аудитории и будете иметь множество возможностей заинтересовать людей вашей музыкой, а не только одной большой. Так что у многообещающего, неподписанного или независимого музыканта есть еще больше причин поддерживать интерес своей аудитории и привлекать новых подписчиков, выпуская новые треки довольно часто. 

Если у вас есть подписчики и вы думаете, что пришло время объединить несколько треков в альбом, вы получите лучшее из обоих миров: альбом, который демонстрирует ваше искусство и делает большое заявление, а также частые релизы для сохранения и расширения вашей фанатской базы. 

СИНГЛ, МИКСТЕЙП, EP ИЛИ АЛЬБОМ: ИТОГИ

Подводя итог, давайте уточним некоторые обобщения, которые могут указать путь к формату, который вы выберете для своего следующего выпуска:

• Выберите сингл, если хотите проверить почву, заинтересовать людей своей музыкой и создать базу поклонников. Поддерживайте темп с помощью частых выпусков, которые подкрепят ваши первоначальные усилия.
• Выберите микстейп, если продвижение важнее прибыли. Ваша основная цель — заставить людей слушать вашу музыку.
• EP представляет собой небольшую коллекцию вашей музыки и позволяет слушателям лучше понять ваш творческий диапазон. Он более содержателен, чем сингл, но стоит дешевле и, следовательно, менее рискован, чем выкладываться по полной с альбомом.
• Ваш альбом нацелен на конвертированную аудиторию фанатов. Его сложнее создать, чем EP или сингл, но он дает больше возможностей для самовыражения.

В заключение давайте посмотрим на одну вещь, которая всегда имеет значение, независимо от того, как вы решите сделать свою музыку доступной для публики: качество. Коллега-музыкант, возможно, похвалит вас за технику, но для обычного слушателя качество звука так же важно, как и сам материал. 

Вот почему для вашей следующей записи вам следует заручиться помощью команды экспертов Top Records и высококлассного оборудования. Будучи одной из ведущих Питерских студий звукозаписи, у нас есть навыки и опыт, чтобы воплотить ваше художественное видение в жизнь. Мы предлагаем комплекс услуг, в том числе живая студийная запись, тренер вокала и место для съемки видео.

Мы работали как с известными артистами, так и с новыми начинающими талантами, убедитесь в этом сами, ознакомившись с нашими клиентами и примерами работ до бронирования сеанса в нашей профессиональной студии звукозаписи.

Если музыка течет по вашим венам, и вы потратили годы на овладение своим ремеслом, сочинение собственных песен и совершенствование своего таланта, то сейчас прекрасное время подумать о создании профессионального трека. Мир звуковой инженерии может быть довольно сложным, если вы никогда раньше не записывали, особенно когда это означает освоение новых процессов и терминологии. Если вам интересно, в чем разница между сведением и мастерингом, то эта статья ответит на все ваши вопросы и поможет пройти важный этап вашего профессионального пути.

ТРЕКИНГ, СВЕДЕНИЕ И МАСТЕРИНГ

Когда вы впервые посещаете студию, вы начинаете с записи своей песни. Это довольно простой процесс, который просто относится к записи вашей песни на цифровой звуковой рабочей станции (DAW), чтобы звукорежиссеры могли над ней поработать. Теперь все может стать немного более сложным и техническим.

ЧТО ТАКОЕ СВЕДЕНИЕ?

Сведение это процесс балансировки отдельных элементов в треках, включая вокал и различные инструменты. Этот процесс восходит к 1950-м годам, когда инженеров по сведению называли инженерами по балансировке, потому что они работали над балансировкой громкости каждого инструмента. Сегодня, когда технологии развиваются, работа становится намного более сложной и имеет дело со многими другими переменными, но все равно она начинается с баланса в основе.

Некоторые из наиболее важных элементов аудиомикса включают:

• Баланс —  это основанная на громкости взаимосвязь между различными аудиоэлементами. Он выводит разные элементы на одинаковый или соответствующий уровень, поэтому ни один элемент не заглушает другой.
• Панорама —  каждый аудиоэлемент должен существовать в звуковом поле, что делает его полностью доступным путем панорамирования для создания стереомикса.
• Частота —  это представление всех звуковых частот надлежащим образом и требует очень чувствительного уха. Хотя это можно сделать на стадии мониторинга, это более эффективно достигается во время сведения.
• Dimension —  это атмосфера трека, в которой инструменты реверберации и задержки используются для создания так называемого «более влажного» микса, наполненного эффектами, оживляющими трек.
• Интерес —  это элементы, которые используются для того, чтобы вызвать у слушателя оптимальную эмоциональную реакцию на песню. Часть, которая вызывает слезы на глазах или заставляет вас танцевать.

Сегодня сведение может быть масштабным проектом, в котором даже во время сессий генерируется более 100 треков. Это также место, где происходят самые драматические изменения в дорожке, и принято вносить радикальные корректировки в различные элементы, настраивая их и изменяя их широкими мазками. Это делает микширование одним из самых сложных и требовательных этапов создания песни, когда каждый трек разбивается на его основные элементы и перестраивается, чтобы сделать его намного больше, чем сумма его частей.

Звукорежиссер сможет смотреть на каждый элемент отдельно (обычно каждый инструмент или аудиокомпонент сохраняется отдельно, называется и имеет цветовую кодировку для ясности), чтобы посмотреть на громкость, динамику, частоты и пространственное размещение каждого элемента. Это необходимо для того, чтобы они не были слишком громкими или слишком тихими, не заглушали друг друга, чтобы переходные процессы не были слишком навязчивыми и чтобы они звучали соответственно близко или дальше от слушателя. Если вам нужно больше ведущего вокала, более сильный ритм ударных, более мягкая базовая линия или более мягкая ведущая гитара, ваш инженер по микшированию может предоставить их.

У каждого инженера по сведению есть свой рабочий процесс, который помогает добиться этого, но он, как правило, включает два отдельных этапа. На первом этапе инженер сосредотачивается на технических элементах, чтобы создать аутентичную и лучшую версию песни. Это более методичный и научный этап процесса, на котором вы пытаетесь создать результат, который соответствует определенному набору критериев для профессионального трека. Он может быть невероятно повторяющимся, и инженеры по микшированию должны иметь возможность слышать трек снова и снова во всех деталях на протяжении всего этого процесса.

На втором этапе проявляется истинная ценность инженера по сведению. Здесь креативность так же важна, как и опыт, и ваш инженер сведения будет использовать свои таланты, чтобы сделать микс столь же привлекательным, ярким и эмоционально привлекательным, как это в принципе возможно.

На этом этапе настраиваются переменные для создания правильного отклика в слушателе и настраивается каждый элемент, чтобы он был как можно более ясным и запоминающимся. Стереорасширители, фазеры, хорус, насыщенность и автоматизация — все это инструменты, которые обычно используются на этом этапе, чтобы сделать трек как можно более гиперреалистичным и всеобъемлющим, а инженеры по микшированию могут редактировать части трека, отрезая части и сращивание в новых секциях, чтобы изменить финальную дорожку. Обычно говорят, что этот процесс составляет большую часть окончательного звучания трека и подготавливает трек для окончательного мастеринга. 

Популярное программное обеспечение для сведения, которое позволяет вам получить доступ к каждому инструменту и аудиоэлементу по отдельности, включает Adobe Audition, Logic Pro X, FabFilter Pro-Q3, Waves Renaissance Maxx и iZotope Neutron 3 Standard.

Как только ваш трек достиг такого уровня точности, он еще не закончен. Теперь пора переходить к мастерингу.

ЧТО ТАКОЕ МАСТЕРИНГ?

Это последний процесс доработки трека перед распространением — вишенка на вершине, которая берет на себя тяжелую работу, выполненную в процессе микширования, и поднимает ее на еще более высокий уровень. Это то, что поднимет ваш трек на тот же уровень, что и профессиональные миксы, придав ему такое же полностью законченное качество, как и любой другой трек, который вы слышите по радио, транслируете из списка воспроизведения или слышите на саундтреке. Это также то, что оживляет весь альбом, объединяя каждую песню в единое и захватывающее целое.

Для этого мастеринг-инженеры обрабатывают весь микс, чтобы сделать трек громче, улучшить качество и убедиться, что он работает на всех типах аудиосистем и форматов, используемых для распространения. Это достигается с помощью инструментов регулировки громкости, эквалайзера и сжатия, а также ограничителя. Лимитеры — одна из самых интересных частей оборудования для мастеринга звука, поскольку они заставляют песню казаться громче, чем она есть на самом деле, придавая треку такую ​​же мощность даже при более низкой громкости.

Некоторые из наиболее важных элементов аудио мастеринга включают в себя:

• Динамика —  сжатие, ограничение и стробирование помогают поддерживать приятный уровень каждого элемента звука, гарантируя, что ни один элемент не станет слишком интенсивным в общем звуке.
• Эквалайзеры —  они формируют тон дорожки, увеличивая или уменьшая определенные частотные диапазоны.
• Фильтры гармоник —  эти фильтры помогают создать в миксе ощущение энергии и волнения.
• Уменьшение битовой глубины и преобразование частоты дискретизации —  также называемое дизерингом, это преобразовывает записи с большей длиной слова в более низкие битовые глубины, сохраняя при этом тот же динамический диапазон, обеспечивая одинаковое качество для разных форматов.

В то время как инженеры по микшированию имеют доступ к каждому инструменту и аудиоэлементам на индивидуальном уровне, инженеры по мастерингу работают со всей дорожкой как с единым элементом, чтобы отшлифовать ее, осветлить элементы и прояснить дорожку. Свежий набор ушей слушает микс — это как если бы профессиональный редактор просматривал статью перед ее публикацией, обращаясь к песне целостно, чтобы создать более сплоченный поток и более впечатляющий результат.

Мастеринг также является важным уровнем контроля качества, который необходим, если вы хотите, чтобы ваша песня имела такое же профессиональное звучание, как трек, получивший Грэмми. Это дает второму, опытному профессионалу возможность просмотреть микс и выявить любые ошибки или возможности для дальнейшего уточнения, которые могли быть упущены на загруженной и часто повторяющейся фазе микширования. Их роль — принимать окончательные решения, которые помогают треку действительно сиять и демонстрировать эстетику и послание, которое вы хотите.

Популярные приложения для мастеринга включают Steinberg WaveLab Elements 10, FabFilter Pro-L2, Magix Sequoia и FI Studio.

ПРОФЕССИОНАЛЬНОЕ СВЕДЕНИЕ И МАСТЕРИНГ В СПБ

Как микширование, так и мастеринг — сложные вещи, и, хотя между ними может быть некоторое совпадение, у них есть отличительные стороны, которые нужно использовать при создании профессионального трека. В то время как микширование объединяет элементы для создания вашего звука, мастеринг улучшает и поднимает конечный продукт до самого исключительного уровня. Самая важная вещь, о которой нужно помнить, заключается в том, что по своей сути микширование и мастеринг помогают поднять ваш трек до профессионального и мирового уровня, представляя ваш голос, стиль и сообщение наиболее эффективным и впечатляющим образом.

На студии звукозаписи Top Records в Спб у нас есть команда опытных звукорежиссеров, которые будут работать с вами на каждом этапе этого процесса, от прослушки вашей песни до создания вашего микса и, наконец, его доработки до качества на уровне распространения на этапе мастеринга. Наша команда работала с артистами, которые только начинают свой путь, так и с признанным профессионалам. Помимо предложения всем артистам студии звукозаписи, как пространства для записи сессий, мы также предлагаем широкий спектр высококачественных услуг по обработке аудио.

Чтобы записаться у нас, свяжитесь с нами и забронируйте сеанс — и узнайте, куда наши звукорежиссеры могут вас доставить.